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Entrando Numa Fria Maior Ainda Com A Família [Crítica]

Mestre Zen — Mon, 10 Jan 2011 22:44:31 +0000

Mais do mesmo

Um filme sobre a dinâmica sogro e genro é um gênero de comédia antigo que remete aos temores do universo masculino relacionados ao compromisso. Dessa vez o alvo é a dinâmica da grande família – sem trocadilhos – mas, infelizmente, como é o mal das grandes franquias de comédia, cai na mesmice e começa a ficar apelativa onde menos atrai. Mas, entre mortos e feridos, o ótimo elenco consegue salvar o roteiro marromeno e algumas gargalhadas são até recomendadas. Veja como e porque.

Em Entrando Numa Fria Maior Ainda Com A Família, Gaylord Focker e sua digníssima agora tem dois filhos e ele toca uma bem sucedida carreira como chefe de enfermagem de um centro-cirúrgico, mas nada disso é suficiente para o seu sogro Jack Byrnes que agora novamente volta seus olhos para a família Focker quando ele quase tem um infarto e se preocupa com o legado da família Byrnes. Enquanto isso, o ex-noivo de Pam, o milionário Kevin, volta ainda mais apaixonado do que nunca pela moça e ameaça toda a família Focker-Byrnes próximo a época de Natal.

Juntando todos os clichês possíveis, Paul Weitz assume a franquia depois de perder alguns outros trabalhos e, apesar do bom trabalho visual, fica muito pouco imaginativo, mas se sai razoavelmente bem. Talvez a culpa maior esteja no roteiro de John Hamburg e Larry Stuckey, que em nada melhora a franquia, perde alguns de seus pontos fortes e ainda inclui algumas piadinhas de cunho sexual e cenas mais apelativas para tentar “incrementar”. Obviamente um master fail. O forte da franquia sempre foi a temática familiar e não a apelação sexual. Claro que sexo é parte da dinâmica dos relacionamentos, mas levando em consideração que tudo gira em torno da relação entre os personagens de De Niro e Stiller, é meio que um desperdiço e rebaixamento da franquia. Ponto contra.

Quem poderia desejar elenco melhor, dos astros principais aos coadjuvantes, um show de atuação, com exceção da gostosa master, Jessica Alba. Ben Stiller melhora seu jogo apresentando um Gaylord mais maduro, mesmo com a legenda nacional não contribuindo, mudando seu sobrenome para “Fornika” – tradução tenebrosa – ele ainda entrega um personagem evoluído, mas ainda divertido. Rober De Niro dispensa comentários. As coadjuvantes Blythe Danner e Teri Polo são boas, mas mais do mesmo. Não dá para dizer que a contribuição de Barbra Streisand seja ruim, mas é bem pequena. Uma grata surpresa fica pela participação de Laura Dern como diretora da escola particular e o lendário Harvey Keitel como empreiteiro dos Fockers. Um ótimo “cameo” e de alta qualidade também. Talvez o maior astro seja, na verdade, um dos que teve menor participação. Dustin Hoffman novamente rouba a cena como pai de Greg Focker, Bernie, com seus hobbies malucos e trazendo estabilidade a trama para seu desfecho. Seu carisma e atuação roubam toda a cena, mesmo com falas e um papel medíocre. Fantástico ator.

Em questão de história, diversão e algumas gargalhadas são garantidas, mas nada muito além disso. A história voltada primariamente para o público masculino pode agradar todos os públicos, já que famílias são famílias em qualquer lugar do mundo, mas desde a tradução tosquíssima – sério, aumentar o título não o torna melhor – até a péssima atuação de Jessica Alba, não tem como dar muitos privilégios a película. O aumento no nível apelativo das piadas também denota decadência do roteiro, o que não pega bem em uma comédia para a família. Talvez uma boa observação seria a caracterização dos personagens, principalmente de Ben Stiller, retratado um pouco mais velho e mais confiante, não sendo apenas mais um banana torturado pelo sogro, mas efetuando aquela catarse de todo bom genro q sofre na mão dos sogros, através do nosso amigo Focker dando o olé em Jack Byrnes.

Por falta de imaginação e inspiração, tudo que posso dizer é que um filme divertido só vale a pena depois de ter visto todos os outros filmes mais divertidos. Com vários concorrentes a Oscar ainda em cartaz, compensa fazer um apanhado de outros filmes antes de ir atrás de uma comédia, a não quer esteja muito desesperado por algo mais leve. De qualquer forma, fica a recomendação com ressalvas.

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Tron: O Legado [Crítica]

Mestre Zen — Mon, 03 Jan 2011 07:13:12 +0000

Eu luto pelo usuário

Muita água rolou por debaixo da ponte desde o primeiro filme em 1982, quando a Disney se aventurava pelo mundo sombrio dos filmes de ficção-científica live action. Depois de ver toda uma geração de nerds nascer das cinzas com Jornada nas Estrelas e Guerra nas Estrelas, era hora de explorar algo novo e inexplicavelmente fascinante, outro tipo de espaço, o cyberespaço. Abusando de referências como Neuromancer e da moda na época, o Neon e computadores, Steven Lisberger – reza a lenda – se valeu de uma viagem psicodélica e muita piração lissérgica para criar a história de um game designer hacker que é transportato para dentro de uma rede de computadores e tem que destruir uma tirânica inteligência artificial com a ajuda de um programa de segurança.

Tron: O Legado pega alguns anos depois do final do primeiro filme, ainda no final dos anos 80, quando Kevin Flynn desaparece misteriosamente, deixando seu pequeno filho, orfão de mãe, sozinho durante os próximos 20 anos. Subitamente, Sam Flynn recebe um chamado de seu pai de um telefone que tem estado desligado pelos últimos 20 anos. Ele acaba sendo transportado para o mesmo universo que seu pai e com a ajuda de uma solícita ajudante virtual chamada Quora, eles vão ter que tentar destituir um novo tirano na Grade e garantir seu retorno para o mundo real.

Inegavelmente, o senso de estética do novo diretor, Joseph Kosinski, está a altura da continuação do clássico. Das roupas, aos cenários totalmente digitais, a todo o sentido visual dado ao roteiro não tão brilhante de Edward Kitsis e Adam Horowitz. Sim, porque onde visualmente o filme se sobressai, a história também peca. Tron foi um misto de inovação e fantasia criado pela Disney em tempos difíceis. Claro que o sucesso de bilheteria não foi imediato na época como na sua continuação, mas a história encantou milhões ao longo das décadas. Legado promete fazer algo oposto. Nem todo o hype e estética conseguem manter a história sobre problemas parentais de Sam Flynn nos trilhos. De resto, até que Kosinski tira leite de pedra com alguns atores meia-boca entre outros espetaculares. Mas, esperar o que de um diretor totalmente novato?

Já no campo da atuação, Garrett Hedlund fica muito além do carisma e capacidade de atuação de TODOS os outros atores. Infelizmente ele é o protagonista, o que pesa muito contra a película. Entre os outros bons atores estão Olivia Wilde, o clássico e fodáximo Michael Sheen – roubando a cena mais uma vez em uma curta participação – e o mais que perfeito Jeff Bridges. Depois de aclamado com seu recente Oscar, ele mostra porque quem foi “Flynn” nunca perde a majestade. Até mesmo o antigo Tron, Bruce Boxleitner, dá de 100 a 0 no novato Sam Flynn. Prêmio gostosa revelação vai para Beau Garrett como a gostosinha com pouquíssimas falas, Gem. Linda e reticente, o que mais esperar?

Talvez a maior decepção seja o fato de que não bastasse a nova história focar mais nos problemas psicológicos de Sam Flynn do que na verdadeira história, sem nenhum mistério, mas o 3D é um verdadeiro roubo dos espectadores, tirada a primeira e fantástica sequência que deixa apenas um gostinho de “quero mais” para o resto do filme. Isso já valeria uma estrela completa a menos por si só. Todos sabem como filmes live action tem apanhado para tentar implantar a tecnologia 3D e Tron: O Legado não colabora nessa luta. Mais uma vez os produtores abusam da sigla 3D na frente do nome do filme para poder arrancar uns trocados a mais dos espectadores. Agora, já a experiência Imax é muito recomendada. Se você mora em São Paulo ou Curitiba, pode compensar a graninha a mais para conferir toda a fodelância visual em uma tela de muitos andares de altura. Fora isso, prefiram copias 2D para não gastar dinheiro a toa. Talvez o maior legado fosse a tecnologia de reconstrução facial que deixou Jeff Bridges quase 30 anos mais novo. Nada completamente espantador, apenas uma evolução mais orgânica da técnica de Avatar, mas que promete futuramente transformar atores em versões mais jovens ou até ressuscitar atores mortos..

No geral, Tron: O Legado ainda é um agrado aos fãs hardcore e uma opção levemente razoável para os não fãs. As referências ao original colocam um sorriso maroto no rosto dos nerds e o visual fodáximo pode impressionar alguns desavisados, mas com certeza um dos filmes mais esperados de 2010 chegou com um gostinho de decepção em alguns departamentos, infelizmente. Como filme de fição científica e história do design no cinema e os efeitos CGI, Tron sempre foi um legado ao cinema, mas este realmente põe um ponto final e deixa apenas uma pequenina ponta solta quanto ao personagem título, que vocês podem debater depois nos comentários. Para não dizerem que eu dou spoilers na minha crítica. Apesar dos pesares, o filme é recomendado, seja em 2D ou no Imax.

E um trato para os fãs das antigas

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Skyline – A Invasão [Crítica]

Mestre Zen — Sun, 05 Dec 2010 16:21:49 +0000

Provando que os melhores efeitos não são tudo em Hollywood

Durante muito tempo se deu o debate sobre Avatar te sido apenas efeito e uma história fraca. Refutei veementemente essas críticas e pela primeira vez venho com provas factuais de quão errôneas foram essas alegações. Boa parte da equipe da WETA, responsável pelos efeitos gráficos dos bichinhos azuis, trabalhou em Skyline – A Invasão. O resultado é um gráfico realista, belíssimo e super bem tratado, talvez um dos melhores efeitos computadorizados desde o próprio Avatar, mas provam apenas que isso, isolado de todo o resto, de nada vale.

A história do filme conta simplesmente de um grupo de jovens que prospera e em época de festas em Los Angeles, acaba por se ver no meio de uma invasão alienígena misteriosa que extermina bilhões de pessoas ao redor do mundo. Em meio ao caos, os jovens tentam sobreviver e superar seus dilemas pessoais.

Na verdade, essa sinopse fraca é até uma foçada de barra para estender a profundidade do filme, que nem chega a tanto. Os irmãos Colin e Greg Strause assinam uma direção bem marromenos de um roteiro podríssimo escrito por Joshua Cordes e Liam O’Donnell. Vale lembrar, que os irmãos Strausse assinaram alguns dos efeitos visuais mais fodáximos dos últimos 5 anos em seu currículo, mas diretorialmente assinaram apenas o fiasco Aliens vs. Predador 2. Isso já diz tudo que preciso. Mesmo assim, não pecam em seus efeitos, sua área de domínio, mas pecam em todo o resto, da história, a ritmicidade do filme, a truques baratos de câmera e o fato de desprezarem as partes que talvez fossem as únicas que salvassem o filme, os dilemas pessoais, editando a coisa toda em um pacote enfadonho de 1 hora e pouco de película.

O filme basicamente não tem elenco, visto que os alienígenas em forma de máquinas orgânicas são melhores atores que todo o elenco junto. A única que talvez pudesse quem sabe um dia atuar seria Scottie Thompson no papel de Elaine, mas mesmo assim os diálogos não colaboram. Tem também participação de David Zayas que sempre faz ponta como bandido em filme de ação de quinta, vide Mercenários, e a gostosa Crystal Reed, que entra muda e sai calada. Um fiasco total de elenco.

Imaginei que com uma premissa tão boa e um trailer tão isntigante – com milhares de pessoas sendo sugadas para a morte por naves alienígenas – o filme tinha suas chances. É a grande chance de explorar o horror do extermínio e extinção. Mas, sem roteiro, sem elenco e direção pobre, o filme se baseou totalmente nos efeitos. Por eles, realmente vale dois pontos inteiros. É um dos melhores portifólios gráficos que os irmãos Strausse poderiam ter criado para si, com um pequeno detalhe… Eles não precisam de currículo como artistas de CGI, já são consagrados. Eles precisavam era de uma estréia diretorial decente e isso foi ainda pior que seu trabalho anterior. Sim, em questão de história, Skyline consegue ser pior que Aliens vs Predador 2, algo que já diz o que pretendo com a crítica do roteiro. Um filme tão vazio, serve para mostrar que sucessos como o de Avatar não se resumem apenas a uma boa equipe de efeitos como alguns haviam afirmado, mas uma mistura de fatores fundamentais e fodáximos que Skyline não chegou perto em seus sonhos mais insanos.

Não recomendo por nada nesse mundo, apenas um dia em um canal HD da TV a cabo e olhe lá. Para aproveitar os efeitos bem aproveitados. Fora isso, fiquem longe do filme. Dica do Mestre.

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Os Outros Caras [Crítica]

Mestre Zen — Sun, 05 Dec 2010 14:44:35 +0000

Sem noção e sem limites

Tendo decolado com uma fantástica campanha de divulgação que chegou a pendurar Will Ferrell e Mark Wahlberg em cabos no último MTV Movie Awards, eles conseguem resgatar uma mistura de non-sense com as obviedades americanas e fazer um trabalho decente em uma comédia que pode não agradar a todos, mas com certeza agradará os bolsos de dois astros não no auge de seu jogo.

Em Os Outros Caras, Allen Gamble é um contador forense que prefere trabalhar no escritório a ter que ir para a rua. Terry Holtz é um policial durão, que precisa aguentar Allen como parceiro desde que brigou com o ídolo do baseball Derek Jeter. Eles têm como ídolos os melhores policiais da cidade, Christopher Danson e P.K. Highsmith, mas são os últimos na lista de sucessão dos mesmos na força policial de Nova York. Quando surge uma oportunidade para que demonstrem seu trabalho, Allen e Terry tentam se espelhar nos ídolos e usar seu estilo próprio para que consigam conquistar reputação e algum respeito.

Apesar de não ser a parceria mais venerada pela crítica de Ferrell e o diretor Adam McKay, que trabalharam juntos em Quase Irmãos, Talladega Nights e Escorregando para a Glória, ainda assim acredito que seja a melhor pelo fato de conseguir misturar orçamento, elenco de peso, comédia non-sense e uma montagem impecável. Usando filmes de ação como fundo inspirador, McKay consegue manter um rítmo para a película sem cair no ostracismo de paródias “Em Pânico” e similares, fazendo um tributo e crítica, simultaneamente, aos antigos filmes policiais. Na trilha sonora, boas adaptações de músicas do momento, dando um bom passo ao filme. Resgatar momentos e diálogos que só poderiamos ver nos clássicos Monty Python britânicos é algo sem preço. Ponto para MacKay, que também é co-roteirista e produtor. Obra completa. Talvez o único erro sejam algumas quebras de lógica e pequena perda no ritmo da narrativa em certa parte do filme. Mas, tudo em nome do “bom policial”.

A participação especial de Dwayne “The Rock” Johnson e narrativa de Samuel “Muthafuckin” L. Jackson já valeriam o ingresso. Mesmo assim e com Ferrell nunca sendo capaz de segurar sozinho uma comédia ou Wahlberg atuando tão bem quanto minha bola esquerda em dia de frio, eles conseguem trazer alguma vida aos personagens e a capacidade de Will Ferrell de se passar pelo ridículo com uma cara séria é além das capacidades humanas. Destaque para a gostosa mor do filme, Eva Mendes, que usa decotes maravilhosos boa parte do filme e interpreta a esposa de Gamble. Aliás, a habilidade de Gamble pouco explorada no trailer é um dos pontos altos, cheio de easter eggs ao longo do filme, procurem. A interpretação mor de toda a película fica por Michael Keaton. Bizarro, eu sei. Mas, ele consegue entregar as falas mais absurdas sem nem pestanejar. Interessante ver como McKay resgatou o ator do limbo completo. Ainda vale o vilão ser o Justiceiro Ray Stevenson. Prêmio “gostosa revelação” vai para Natalie Zea como ex-namorada de Holtz, personagem de Wahlberg.

Obviamente não é um sucesso como Se Beber, Não Case, mas também não pretende ser o fiasco de O Elo Perdido de Will Ferrell, mas é uma comédia razoável, que pode se tornar boa alternativa caso já tenha visto vários dos trocentos bons filmes em cartaz. Inclusive, Ferrell chega aos cinemas brasileiros com 2 títulos na mesma semana. Protagonizando na voz do icônico Megamente. Os Outros Caras está repleto de participações especiais, piadas sem sentido, mas menos piadas sujas do que normalmente vemos em comédias de Ferrell e uma boa dose de paródia policial. No geral é uma recomendação razoável, mas nunca percam seu sono por conta de boa divulgação. #ficadica

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Harry Potter e As Relíquias da Morte – Parte 1 [Crítica]

Mestre Zen — Sun, 21 Nov 2010 12:00:40 +0000

A guerra, o horror, o Dobby…

Depois de muita espera, antecipação e outros blockbusters estreando este ano – inclusive com direito a competição brasileira pesada nas bilheterias – chega o filme do bruxinho, que não é tão “inho” mais. Com um tom extremamente sobrio, muita violência explícita e até um pouco de nudez, a primera parte do último capítulo da saga da batalha entre “o menino que não morre” e “aquele que não deve ser nomeado” chega aos cinemas com uma legião de fãs aos seus pés e um diretor digno de parabéns.

Em Harry Potter e As Relíquias da Morte – Parte 1, nosso personagem homônimo, que completa 17 anos, se vê as voltas da perseguição por parte de Voldemort e seus seguidores capazes de se infiltrarem nos mais altos escalões do poder na magia. Enquanto tem o apoio da Ordem da Fênix e seus amigos para se esconder, tem que continuar sua buscar pelas Horcruxes, objetos mágicos que contém partes da alma de Voldemort. A medida que Harry, Hermione e Ron vão ficando sem lugares para se refugiarem, o cerco aperta e eles não tem outra saída a não ser continuar a perigosa busca para encontrar os artefatos, mas em meio a sua busca vão enfrentar todo tipo de dificuldades e até mesmo encontrar uma lenda tão antiga quanto a própria magia.

O diretor David Yates quebra todos os paradigmas com sua última criação, em um tom mais do que sombrio, cenas extremamente explícitas – tendo em vista a fonte da qual foi tirada – uma trilha sonora magistral e, principalmente, toda uma equipe de filmagem de primeira. Talvez, além da forte vontade de quebrar com o legado de Chris Columbus e seus primeiros filmes, fazendo algo absolutamente maduro e não-infantil, conseguiu conquistar sem dúvida o melhor e mais adulto filme da franquia. Do topo das suas conquistas, estão as belíssimas locações em diversas partes da Europa, além de uma cenografia e figurinos espetaculares, que ao mesmo tempo que chamaram a atenção, não desviaram o foco do espectador da carga dramática da película. Uma obra prima diretorial, com certeza.

No elenco, o destaque não é Radcliffe, dono de um papel na carreira, ou mesmo de alguns dos melhores personagens da história e até do glorioso Ralph Fiennes na pele do “cobroso” Voldermort. O maior destaque vai para Rupert Grint, que evoluiu 5000% desde sua primeira atuação no primeiro filme como Ron. Em momentos, sua própria expressividade e presença de cena fazem rir, sem contar ótimas pérolas do diálogo. Ao mesmo tempo ele conseguiu ser sombrio e tenebroso em momentos. Grint é seguido apenas da gloriosa Emma Watson, que além de ter crescido graciosamente, consegue passar a emoção com meia levantada de sobrancelha. Superioridade e sutileza magníficas da escola britânica de atuação. Em terceiro lugar vem a participação curtíssima, mas mais que especial de Bill Nighy, provavelmente o ator mais gabaritado do elenco. Infelizmente não só sua participação foi curta, mas reza a lenda dos leitores fiéis - já que não li quase nada dos livros – que sua caracterização do personagem é bem diferente dos livros. Culpa do roteirista, galera. No mais, quem mais poderia receber a condecoração de melhor atriz senão Helena Bonham Carter, mais uma vez irreconhecível no papel de Bellatrix Lestrange.

Com bom diretor, atuação e um roteiro decente, para os fãs da franquia será um prato cheio. Quem mais assistiria que não os fãs? Envoltos em mistério e devoção depois de 6 longos filmes e 7 conturbados livros. Claro que o filme tem seus escorregões. Acompanhado de experts na coisa, foi visível o desprezo por alguns momentos e personagens chave e a exaltação de um retorno de outros filmes, como o elfo Dobby. Não considero um spoiler já que ele aparece no trailer, mas é óbvio que sua aparição e os fatos que se desenrolam a partir daí são uma contraposição a infantilidade dos filmes anteriores. Estamos diante de uma guerra, e como tal, é hora de confrontar os momentos e a obscuridade que tal momento representa. Harry, Hermione e Ron estão sozinhos, diante de problemas reais, uma visão quase apocalíptica de um mundo agora distópico controlado pela magia. Não é brincadeira, amiguinho. Dobby retrata tudo isso e assistindo o filme pode-se notar porque.

Não existe espaço para simpatia, para meias palavras, para graças veladas. Falando em graças, os elementos cômicos são infinitamente melhores do que quaisquer outros em qualquer outro momento dos filmes. Até mesmo as piadas se mostram mais pesadas e mais adultas. Deixem as crianças em casa e dispensem até suas vassouras, agora a coisa é totalmente séria. O preparativo para o último e impressionante filme promete tudo que não vimos no filme anterior, com bastante ação, comédia, romance, até um pouco de tensão sexual a mais e um final apoteótico. Vale com certeza o ingresso, se já acompanha a algum tempo essa aventura. Senão, recomendo começar a ler/assistir a obra.

E um pequeno featurette com entrevistas para aquecer quem não assistiu ainda.

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RED – Aposentados e Perigosos [Crítica]

Mestre Zen — Sat, 13 Nov 2010 15:58:35 +0000

Provando que “old school” tem seu valor

Já na escalação do elenco, uma surpresa fodáxima. Ganhadores de Oscar e astros do cinema de ação juntos em um filme baseado em quadrinhos? Isso não poderia possivelmente dar errado. Mas, observando como Hollywood tem o poder de ferrar com fórmulas praticamente infalíveis, preferi aguardar alguma amostra da produção para dar um parecer. Eis então que surge um fodáximo trailer com ação impressionante e comédia suficiente para desbirocar até o mais incrédulo. Pouco depois vem a San Diego Comic-con e o painel da película mostra o incrível interesse e respeito dos atores tanto pela história quanto pelos quadrinhos como um todo. Assim, cheguei para assistir RED – Aposentados e Perigosos, que não decepciona e entrega exatamente o que promete, ação cômica de primeira qualidade em atuação.

No filme, somos apresentados a Frank Moses, um agente aposentado da CIA que vive uma vida ordinária onde sua única emoção são conversas ao telefone com a atendente da previdência social Sarah, com quem parece também dividir um flerte ocasional. Tudo em sua pacata vida muda quanto agentes da CIA chegam em sua casa para matá-lo. Depois de se livrar desse pequeno “inconveniente”, ele é forçado a procurar a única pessoa com quem se importa e seus antigos colegas de trabalho, para tentar descobrir quem os quer ver mortos e porque, enquanto tentam fugir do jovem e obstinado agente da CIA, William Cooper.

A mini-série em quadrinhos de Warren Ellis e Cully Hamner já deu bastante material base para se trabalhar essa história que não apenas deu margem para esse filme, como também trata de um assunto pouco visto nos quadrinhos, o drama humano do envelhecimento. Talvez nada disso teria funcionado na telona sem o requinte visual de Robert Schwentke na direção e adaptação dos irmãos Jon e Erich Hoeber. Produzido por Lorenzo di Bonaventura, que tem experiência em adaptações de diversas mídias – Transformeres, G.I. Joe, Constantine, Salt – parece atestado de ser retrato de um mundo fantástico. Destaque mais do que fodáximo para a trilha sonora que passeia do eletrônico ao rock clássico sem vergonha de ser feliz. Talvez a fodáxima e mais que divulgada luta entre os dois personagens contrapontos da história não teria sido tão enlouquecedora se não fosse a seleção musical. Não é difícil imaginar que o filme faça referências claras a outros filmes sobre grupos “renegados” tentando se dar bem, como em Onze Homens e Um Segredo, apesar de temática totalmente diferente, e menos “estilo” na edição, é visível que esse tom está presente tanto no roteiro quanto na direção. Sofisticação se contrapondo a experiência.

Talvez o maior trunfo de Red foi q continuará sendo seu elenco. Encabeçado por Bruce Willis, que parece atuar como um John McLane misturado a 007, tem outras estrelas do Olimpo hollywoodiano que não esperaríamos nunca em um filme de ação baseado em quadrinhos. A Rainha Helen Mirren continua uma GILF de respeito, atuante e cheia de classe, ao lado de John Malkovich, que… Bem, ele é John Malkovich, dispensa introduções. O Deus Morgan Freeman faz uma participação não muito extensa, mas significativa. Além disso homenagens a outros grandes nomes do cinema como Richard Dreyfuss e o eterno Ernest Borgnine. Mary-Louise Parker mostra que é a maior gostosa da película e que uma mulher de 46 anos – bem vividos na vida real – pode ser absurdamente desejável e apaixonante… ai ai, Mary. Para fazer o contraste “juvenil” do elenco, Karl Urban interpreta o antagonista que caça Frank Moses. Faz o mesmo de sempre, mas consegue dar um mínimo de personalidade ao personagem.

Com um teor cômico na medida certa, cenas de ação belíssimas e ótimas atuações, não tem muito por onde errar. Talvez os irmãos Hoeber tenham pecado no tratamento que deram a um assunto tão delicado. A velhice e a forma como nossa sociedade trata nossos velhos é um assunto por demais rico para ser tratado tão superficialmente através de uma ou outra fala pouco pontual. O dilema pessoal de Moses parece ter recebido mais atenção do que o fato de que nossos velhos são “sucateados” e não cuidados com devido respeito. De qualquer forma a discussão existe no filme e funciona como catarse para toda uma geração que se sente sufocada e ignorada entre twitter e família restart. O enredo, apesar de faltar com originalidade e diferir em vários pontos da obra original, não deixa de prestar homenagem aos quadrinhos e ganha altíssimos pontos pela transcrição de toda ação contida nos poucos volumes da mini-série.

Apesar dessa pequena oportunidade perdida, o filme se supera no carisma dos atores e personagens e ganha altíssimos pontos ao desenvolver o background de nossos aposentados queridos, mostrando definitivamente que a terceira idade e sua experiência não são coisas a serem menosprezadas ou diminuidas pelo avassalador poder de consumo dos jovens. No mais é um ótimo divertimento, provavelmente a melhor estréia da semana, agrada a todas as idades e é a recomendação mor deste que vos fala para se investir um ingresso no feriadão.

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Scott Pilgrim Contra O Mundo [Crítica]

Mestre Zen — Wed, 10 Nov 2010 22:14:25 +0000

A melhor homenagem a cultura pop de todos os tempos.

Depois da péssima notícia de que a obra prima de Edgar Wright não vai estrear em todo circuito nacional, fui forçado a recorrer para meios obscuros de forma a assistir um dos filmes mais antecipados do ano para os nerds fãs de quadrinhos, games, super-heróis, lutas e etc. Wright não decpcionou em sua visão dos quadrinhos de Brian Lee O’Maley. A expectativa da grande legião de fãs da obra foi respeitosamente traduzida e ainda por cima ganhou novos conceitos de video game audivisuais nunca antes imaginados, uma homenagem desde o primeiro segundo de filme.

Scott Pilgrim Contra O Mundo conta a história do personagem homônimo que leva uma vida comum e desregrada como baixista de uma banda de rock com seus amigos e se apaixona pela enigmática e belíssima Ramona Flowers. Scott tem tudo que se poderia esperar de uma vidinha ordinária, até que a liga dos ex-namorados malvados de Ramona decide atrapalhar seu futuro relacionamento. Ele deve derrotá-los m por um, em batalhas até a morte, se quiser ficar com sua amada.

O que dizer do filme? É um humor característico deEdgar Wright , o criador de pérolas como Shaun of the Dead, sátira da franquia “Dos Mortos” de George A. Romero. Wright faz uma peça diretorial basicamente sem falhas onde utiliza todas as referências de cultura pop possíveis desde o Nintendinho, até Seinfeld, passando pelo rock indie atual. Fora isso, sua transcrição como roteirista é fantástica. Não deixa falhar com a história original apesar das devidas modificações e alterações. Seu trabalho foi árduo, demorado, mas valeu totalmente a pena.

Talvez um de seus maiores segredos esteve na seleção de elenco. Apenas a ressalva de que Michael Cera represente o “otário” perfeito, não é muito provável observá-lo como o conquistador barato de garotas. Simplesmente não se enquadra no seu perfil. De resto, a seleção o elenco ficou perfeita, especialmente dos ex-namorados e da Ellen Wong como Knives Chau, um papel que exige extra expressividade. Nem precisa dizer que a gostosa da película foi Mary Elizabeth Winstead como Ramona Flowers, que inclusive repete a cena dos quadrinhos ficando apenas de calcinha e suitã. Vale o ingresso só por isso. Outro destaque fica para o irmão de Macaulay Culkin, Kieran Culkin, que fez talvez um melhor Wallace Wells que a encomenda. De resto deu a lógica com participação de Alison Pill, Mark Webber, Chris Evans, Jason Schwartzman, Brandon Routh e a gloriosa Anna Kendrick.

Obviamente várias partes foram suprimidas da história e cortadas, empobrecendo um pouco o background de alguns personagens, mas outras foram transcritas com fidelidade, inclusive com trechos em quadrinhos dos próprios quadrinhos, um trabalho maestral. O humor discreto e de ritmo diferenciado da maioria das comédias hollywoodianas podem provavelmente não agradar os gostos mais óbvios, mas tiradas como as de Wallace Wells ou alguns recursos visuais podem agradar e tirar aquele sorriso maroto de muita gente. A ação não perde em nada. Incrivelmente consegue se misturar artes marciais, video games e quadrinhos de formas nunca antes pensadas. Talvez fazendo o primeiro filme genuinamente baseado em video games da história, não apenas uma aproveitamento da história no roteiro, como em Príncipe da Persia. Não me façam citar Uwe Boll como contraponto.

Pode parecer algo pequeno e sem a devida importância, principalmente no circuito nacional, mas Scott Pilgrim é um salto enorme na história dos filmes nerds como não se via em muito tempo, de forma que nem mesmo Kevin Smith poderia produzir, devo acrescentar. Orçamento alto e cultura nerd tem se casado cada vez melhor no cinema atual, mas nada dessa forma, com um conceito visual totalmente bem estruturado e divertido. Vale cada centavo do ingresso, ainda mais pelo fator da edição de áudio ter magistralmente feito o filme para melhor apreciação naquele som fuderoso do cinema. Mas, talvez o melhor aspecto da produção seja a gloriosíssima trilha sonora que conta com gêneros distintos – e em momentos, cômico – de indie rock, tocados ou pela lendária banda Sex Bob-Omb, ou pelas outras bandas como The Clash and Demonhead. De qualquer forma, as músicas, todas originais, impressionam. Não percam a oportunidade de prestigiar Scott Pilgrim e sua batalha por Ramona Flowers caso passe pelo cinema da sua cidade. Vai ser definitivamente um DVD que vou ter na minha coleção.

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Avitidade Paranormal 2 [Crítica]

Mestre Zen — Mon, 01 Nov 2010 22:02:53 +0000

Mesmos elementos, outro contexto, péssimo ambiente para se assistir

Sem sombra de dúvida, o cinema em primeira pessoa veio para ficar. Reality Terror é a moda do momento. Isso já deixou de ser dúvida. O gênero inaugurado Hollywoodianamente com Bruxa de Blair também, assim como todos os outros gêneros, é ame-o ou deixe-o. Munido dessa consciência fui até o cinema, sendo um apreciador do gênero, assistir a continuação de um fenômeno do cinema independente. Infelizmente não só não havia novidade, como o público não foi o apropriado e por isso fica impossível dar a mesma nota do primeiro filme.

Em Atividade Paranormal 2, através da mesma narrativa de filmagens amadoras, somos apresentados a uma família com um casal, onde o pai já tinha um filha, também eles tem um filho recém-nascido e começam a experienciar fenômenos estranhos e inexplicáveis que levam a crer que não estão sozinhos na casa.

Dessa vez, Oren Peli foi substituído por um diretor mais experiente, Tod Williams, e apesar dos atores e personagens da outra franquia voltarem, existem novos personagens e atores na jogada. De qualquer forma, a direção continua fantástica, mas infelizmente não inovou muito. A solução no roteiro para implementação de uma melhor visão dos cômodos da casa em tempo real – o sistema de circuito fechado de vídeo – acaba compensando a repetição dos elementos do primeiro roteiro nos três atos do filme.

Talvez o mais interessante seja o fato do filme ser uma prequência, ou seja, se passa alguns meses antes dos eventos do primeiro filme e aí esteja a grande sacada. Além de poder rever alguns personagens e cenas do primeiro filme, também lhes dá algumas explicações que faltam ao primeiro filme. Infelizmente isso também gera um sério problema. O mesmo formato sendo reproduzido cinematograficamente.

Sem sombra de dúvida, Atividade Paranormal e seu sucessor se baseiam em um formato onde o silêncio é fundamental. Também, a experiência de assistir com menos pessoas, tem seu impacto psicológico. Infelizmente no cinema isso é difícil de se reproduzir. Como foi amplamente pirateado e difundido o primeiro filme, era fácil reproduzir essas circunstâncias. Já o segundo filme, visto em grandes grupos, beira o problema da ridicularização. Muitos detalhes sutis passam desapercebidos pelo grande público e acabam se perdendo em meio a chacotas e desentendimentos. Uma pena.

Tirando isso, se tentarmos analisar objetivamente e pensarmos que, se exibido em um ambiente apropriado – que não é uma sala cheia, obviamente – o filme é muito bem sucedido em seu propósito e, não apenas vai gerar sustos, como também um razoável nível de tensão. Infelizmente, a falta de grandes novidades e previsibilidade do roteiro não deixam primar o mesmo clima. O fato de ser feito por uma equipe mais profissional, talvez aumente também a sensação de realismo da película, mas os elementos principais estão lá.

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Tropa de Elite 2 [Crítica]

Mestre Zen — Sun, 10 Oct 2010 21:26:18 +0000

“Agora o bicho vai pegar”?

Entre as polêmicas e discussões do primeiro filme, desde seu sucesso obviamente decorrente da pirataria excessiva, até o fato de ter sido substituído O Ano Em Que Meus Pais Saíram de Férias na disputa pelo Oscar, o ponto chave do primeiro filme era sua violência, as palavras duras de Nascimento e uma crítica a máquina pública e a situação social do Brasil que os brasileiros não estavam prontos para enfrentar. Se aquele filme fez tanto estardalhaço, talvez o segundo atinja um nervo ainda mais profundo, já que no segundo filme ele atinge o âmago do que faz o Brasil rodar, a corrupção no alto escalão.

Em Tropa de Elite 2, Nascimento, dez anos mais velho, cresce na carreira: passa a ser comandante geral do BOPE, e depois Sub Secretário de Inteligência. Em suas novas funções, Nascimento faz o BOPE crescer e coloca o tráfico de drogas de joelhos, mas não percebe que ao fazê-lo, está ajudando aos seus verdadeiros inimigos: policiais e políticos corruptos, com interesses eleitoreiros. Agora, os inimigos de Nascimento, são bem mais perigosos.

A premissa parece bem simples no papel, mas José Padilha não é o tipo de pessoa que simplifica as coisas. Dessa vez bem mais preparado, não apenas com a pirataria, mas pelo fato de ter construído um filme especificamente para a telona, abusando de panorâmicas e uma edição de áudio bem mais requintada, também tem orçamento milhonário e carta branca na seleção de um elenco fodáximo, digno de superproduções brazucas. O Urso de Ouro em Berlim não veio apenas pelo teor muito mais crítico do filme, mas também pelo trabalho técnico primoroso, bem aprendido e aprimorado desde o primeiro.

Wagner Moura reprisa o papel de sua carreira. Dentro em breve ele pode correr o risco de não ser conhecido como Waner Moura, mas como Nascimento. Um fenômeno estilo Jack Bauer/Kiefer Sutherland. No personagem ele convence, seja deprimido, seja cansado, chorando, ou dando seu bom e velho esporro. Nascimento deixa de ser um adulto nervoso para ser um coroa “heróico” cansado. Ele envelhece como no papel, mesmo não tendo envelhecido os mesmos 10 anos. Os outros gratos destaques são o miltante e deputado Fraga, na pele do maravilhoso ator Irandhir Santos e o cômico mas extremamente irritante Fortunato, uma cópia mais do que legítima do famoso Datena, na pele de André Mattos. Ambos geniais. Não que o resto do elenco não seja totalmente fantástico, da gostosa e breve aparição de Tainá Muller até a volta não tão gloriosa de André Ramiro interpretando o agora furioso e esquentado Mathias. Todos fantasticamente bem.

Desde o começo, pode-se ver que o filme pega o clima exatamente de onde parou no primeiro filme. A crítica de nascimento de uma posição direitista facista, que incomodou muita gente na época, continua sendo a crítica ao sentimento social de que “alguém tem que pagar”. Mas, assim como a população não viu isso na época e apenas desfrutou da carnificina, talvez não note a crítica contumaz de Padilha nesse segundo capítulo. Nascimento vai crescendo e envelhecendo e vendo que seu discurso direitista talvez não seja realmente a solução de todos os problemas e que sua posição prática radical cause mais problemas do que resolva. A questão em crítica agora não é “violência gera violência” como no primeiro filme, mas sim a pergunta maior de: Como funciona tanta violência? Além disso tudo, existe o lado pessoal da vida de Nascimento, que é cada vez mais explorado, não ficando nos flashs superficiais do primeiro filme.

A medida que o filme vai seguindo seu rastro de destruição e vendo que, matar todos os bandidos não é matar todos os males, Nascimento vai ao berço de todo seu problema – ou pelo menos um deles – a ganância e a corrupção. Nada daquilo é feito acidentalmente e em diversos pontos do filme, a consciência política se mostra cada vez maior. Não existe “por acaso” no sistema. Talvez esse clima paranóico seja o grande climax do filme e, apesar de parecer exagerado, não é totalmente infundado.Tropa de Elite 2 consegue tratar de política sem a demagogia de “todo político é bandido” ou “a culpa é do sistema” para algo mais profundo como “esse sistema tem uma ‘cabeça’?” ou “onde foi que todos nós erramos?”, a partir do momento que Nascimento representa o cidadão revoltado de bem padrão. Ele não é diferente do telespectador normal de final da tarde dos programas policiais. Ele não é melhor ou pior do que o cidadão comum se orientação política. Ele simplesmente é uma peça da engrenagem que para de modo a refletir porque está alí, e nada revela melhor isso do que sua última fala e sua última narrativa. A película deixa bem claro que não é uma guerra perdida, mas sim uma constante luta daqueles que querem fazer o certo e os que querem fazer o “fácil”.

Mesmo que não tenha gostado do primeiro filme, por achar um discurso facista em sem orientação política – posição que não concordo, pois acredito mais ser um filme denúncia do funcionamento desumano da máquina pública do que uma vanglorização gratuíta da violência – você pode ter certeza que não apenas “o inimigo é outro” nesse filme, como a conversa também é outra. Se você gostou do primeiro filme, todos os elementos que o fizeram “divertido” por algum motivo bizarro, voltam nesse filme. Os “caveiras” ainda são os mocinhos, mesmo sendo os mocinhos que alimentam os “bandidos”, em uma dialética muito complicada, mas o heroísmo e a luta pelos ideais do “cidadão de bem” continuam lá, memo que numa área muito mais “cinza” do que a preta e branca do primeiro filme. A melhor opção para assistir e refletir ao sair do cinema nesse feriado prolongado.

E cuidado para não manchar a roupa de sangue na sala de cinema.

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Gente Grande [Crítica]

Mestre Zen — Mon, 27 Sep 2010 13:00:46 +0000

Comédia realmente “familiar”

Apesar de Hollywood pegar as experiências mais verdadeiras e plastificá-las no sonho perfeito “americano”, ainda é sempre possível extrair algo de verdadeiro em alguns de seus filmes. Gente Grande, acima de uma boa e divertida comédia, nos lembra da verdadeira viagem a pré-adolescência e como nossas famílias depois de “crescidos” ainda são reflexo de tudo que vivemos. Como nossos filhos são ainda reflexos de nosso pais. Apesar de estar aprofundando demais nesse filme, que de profundo tem muito pouco, as boas risadas escondem algo de mais humano, marca presente nos últimos filmes de Adam Sandler. Além do mais, temos Salma Hayek de maiô decotado. Score!

Gente Grande conta a história de 5 amigos de infância que se reunem 30 anos depois de um de seus momentos de glória juntos, no funeral de seu inspirador técnico de basquete no colégio. Eles decidem passar o feriado prolongado de 4 de Julho com suas famílias reunidos na casa do Lago onde passavam suas férias e revivem um pouco do passado, enquanto aprendem juntos a lidar com suas caóticas vidas atuais e seus filhos.

A premissa é simples mas retém boas piadas. O diretor Dennis Dugan, apesar de conhecido por vários filmes tristes, acertou principalmente em suas últimas parcerias com Sandler. Em O Paizão e Eu Os Declaro Marido e… Larry, ele mostrou ser capaz de balancear as piadas sujas de Sandler e a emoção necessaria para ser ao menos minimamente tocante. Essencial para esse filme. Claro que por ser roteiro de Sandler, tem suas escorregadas. Apesar disso, ele está se arriscando a escrever uma ou outra parte dramática e apesar de não ser o melhor nisso, está melhorando. Por incrível que pareça, ele sabe mostrar o mundo infantil com bastante sensibilidade… O motivo para essa habilidade ainda me é desconhecido. Talvez porque o próprio se recuse a crescer como ator. Um Peter Pan Hollywoodiano.

Na atuação, tudo de primeira, inclusive a atuação que nunca me agrada de David Spade conseguiu me tirar boas risadas. Talvez apenas a comédia sem sal de Rob Schneider tenha destoado demais do clima do filme, estragando bons momentos. Devo admitir que a simpatia de Kevin James salva em vários momentos. A verdade é que são 5 veteranos da comédia que acabam se balanceando para melhor ou pior. No time das moças, boas e surpreendentes atuações e até gostosas. Salma Hayek dispensa comentários, Maria Bello surpreende e Maya Rudolph mostra a boa atriz – ao invés de atriz “boa” – que pode ser na comédia. Palmas para ela. Gostaria de chamar atenção para a rápida participação de Tim Meadows no filme, antigo colega de Saturday Night Live de quase todos os atores e um dos meus favoritos. Protagoniza a melhor cena envolvendo Chris Rock.

Acho que já faz bastante tempo que Sandler se provou algo mais do que apenas um ator de comédias besteirol com temas não importantes. O respeito um pouco mais desde Paizão, mas com certeza ele me ganhou com Click. Agora ele volta para esse tema “família e tempo de qualidade”, como que retomando sua eterna crise de meia-idade e vontade de não crescer e despejando no seu roteiro. De qualquer forma, não vai ser um filme para matar de rir como outros da safra 2009/2010, mas com certeza é divertido e qualquer um vai poder relacionar a algumas das esquisitices que possam ter na sua família, como a vovó nojenta e inconveniente, a mãe superprotetora, a mãe trabalhadora, o pai neurótico obssessivo, ou coisas do gênero, seja lá qual for a esquisitice da sua família. São esteriótipos? Sim, claro, como em todo filme de Sandler. Mas, na mensagem, eles falam algo mais sobre como crescemos e o que esperamos para nossos filhos em tempos de twitter, sms, playstation 3 e redes sociais.

Pode valer o ingresso para dar uma animada naquele fim de semana ocioso. Comédia bonitinha, com as piadas toscas de costume. Recomendável.

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Resident Evil 4: Recomeço [Crítica]

Mestre Zen — Sat, 18 Sep 2010 22:04:35 +0000

Um novo fôlego… para a franquia.

Extremamente desacreditado, vendo a decadência crescente da franquia, qual não foi a surpresa ao ver que pelo menos em alguns aspectos o novo capítulo da franquia consegue surpreender, deixando uma porta para a ressurreição de um filme de Paul W.S. Anderson já quase esquecido no limbo. Não por acidente, demorou bastante entre o terceiro e o quarto filme da série, mas algo foi aprendido nesse meio tempo… outras coisas ainda não.

Resident Evil 4: Recomeço retoma de onde o terceiro filme parou. Alice está em uma onda de vingança contra a Corporação Umbrella, mas depois que ela atinge seu objetivo, o que fazer? Ela começa a buscar pelos sobreviventes e amigos que deixou para trás, mas acaba se deparando com consequências imprevisíveis.

É, o filme não tem história. E os furos de roteiro são ainda mais grotescos. Mas essa sempre foi a lógica de Residente Evil que desde o primeiro filme decidiu seguir uma lógica totalmente diferente dos jogos, aproveitando apenas alguns personagens e situações, mas jogando toda a mitologia gamer no lixo. Paul W. S. Anderson assume, acompanhado de sua esposa Milla Jovovich, toda a responsabilidade pelo roteiro, direção e produção. Ele mantém as historinhas fracas e sem nexo de sempre, mas inova em um aspecto muito interessante,o 3D. Aproveitando a tecnologia “James Cameron” de 3D e a beleza estonteante de sua apetitosa mulher, ele cria fotografia muito interessante aliada a uns efeitos até decentes. Fazer aquela sequência do monstro gigante que vemos no trailer não deve ter sido fácil mesmo. De resto, ele comete um ou outro erro grotesco, sendo o principal deles, o excesso de camera lenta. Ao final do filme, é possível contabilizar que ele poderia ter 1 hora se tirassem todas as câmeras lentas desnecessárias. Talvez 3 ou 4 realmente ficaram fodáximas, o resto foi pura encheção de linguiça que acaba por poluir e banalizar a técnica ao longo do filme. Fora isso, foi uma obra visualmente interessante.

No elenco, só quem realmente passa perto de atuar é Wentworth Miller, que apesar de ter que admitir não ter visto um episódio sequer de Prision Break, tenho que dar o braço a torcer: o cara convence como badass. Milla Jovovich sabe ser bonita, mas Alice nem pode ser considerado um “papel”de verdade. Ali Larter parece mais uma atriz pornô de softcore, não convencendo muito em Heroes e menos ainda nesse filme. Ninguém aprendeu do terceiro para o quarto filme, mas ninguém pretendia ganhar um oscar com isso. Atenção para participação breve da jovem Spencer Locke no papel de K-mart. A baixinha do terceiro filme cresceu, agora tem 19 anos e promete. Gostosa.

Em termos gerais, não tem muito o que falar. Ação básica de Sessão da Tarde. O 3D realmente ficou bom e em momentos com o uso de montagem de vários planos, até impressiona. Sendo que a maioria dos filmes atuais são conversões e já comprovamos mil vezes aqui que conversão não vale nada, esse realmente é um dos primeiros filmes live action a fazer bom uso do 3D, talvez melhor que Alice no País das Maravilhas. Fica a seu critério ir ou não ao cinema, dependendo seu nível de ócio. Definitivamente não é um “tenho que assistir”, especialmente levando em consideração o precinho salgado do 3D. Mas, definitivamente é divertido, tem seus momentos de boa ação e até algumas piadinhas aproveitáveis.

Prestem atenção na cena durante os créditos, com participação da nossa querida personagem do segundo filme. ;)

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Karate Kid [Crítica]

Mestre Zen — Thu, 02 Sep 2010 11:00:19 +0000

Minimamente respeitoso pelo menos.

Um filme que marcou gerações. É tudo que os estúdios andam procurando atualmente, na visíviel crise de criatividade que assola Hollywood. Novidades são raras e remakes são a regra da vez. Claro que a relação entre mestre e discípulo de Karate Kid – A Hora da Verdade de 1984 não passaria desapercebida. Com uma mensagem muito maior do que a própria filosofia das artes marciais, o filme manteve boa parte de sua mensagem intacta, mesmo depois de uma total e completa reformulação dos elementos que mais marcaram história nos anos 80.

Karate Kid conta a história do pequeno Dre, que se vê forçado a mudar com sua mãe por motivo de trabalho para Pequim, na China. Sem saber chinês, deslocado e discriminado pelas crianças próximas, Dre se vê perseguido por um grupo de aprendizes de Kung Fu. Quando ele encontra o desprezado zelador de seu condomínio e este se revela um mestre do Kung Fu, os dois entram em uma jornada de aprendizagem em tempo de lutarem em um torneio para recobrar a honra de ambos.

A escolha de Harald Zwart como diretor encheu meu coração de medo, devo admitir. O cara foi responsável pela refilmagem e evidente fracasso de A Pantera Cor de Rosa. Mesmo assim, ele foi primoroso visualmente, apesar de pouco imaginativo. E também provavelmente limou cenas interessantes que constavam em partes do trailer. De qualquer forma, mesmo com pouca imaginação mas ótima estética, se saiu bem no filme e conseguiu transformar atores pouco conhecidos por suas capacidades dramáticas e os colocou um patamar acima. Já no roteiro, as alterações obviamente descaracterizaram todo o “Karate” da história, mas mantiveram o principal. Difícil mesmo foi ver tanta propaganda da China, já que o filme foi financiado em parte pelo governo Chinês, onde até mesmo as favelas chinesas são bonitas. É como mostrar favelas bonitinhas no Rio… não cola. Por essas, roteirista e diretor perdem no quesito credibilidade.

Na parte de atuação, gratas surpresas. Até a mais inexpressiva e bonitinha atriz mirim, fazendo par romântico com o protagonista, consegue ganhar em simpatia. Ponto para a desconhecida Wenwen Han. Taraji P. Henson é fantástica no seu papel de sempre: mãe. Ela transpira mãe. Vide Benjamin Button. Tiro óbvio. Pena que fique estigmatizada por isso. Jaden Smith evolui bastante desde A Procura da Felicidade, ao lado do papai Smith. Os Smiths estão trabalhando duro para torná-lo ator de gabarito. Ainda tem muito a aprender, mas segue os passos do pai no papel de Dre. Quem realmente surpreende é Jackie Chan. Não, ele não fez nenhuma acrobacia impressionante. O que pegou foi que ele pela primeira vez fez um papel dramático e convenceu. Sem grandes macaquices. Deixou de lado sua tentativa fútil de parecer herói jovem, aceitou sua idade e se saiu super bem. Inédito. Ponto alto para ele e grande revelação do filme.

A história gerou polêmica de todos os lados. Karate Kid sem Karate. Filhos de famosos. Propaganda política de uma ditadura chinesa. Erotização precoce de personagens infantis. Tudo isso realmente tem seu lugar, mas será isso o que deve transparecer mais no filme? Ao assistir, me veio a imagem de grandes heróis de filmes sobre atletismo e histórias tocantes envolvendo esportes, como Carruagens de Fogo ou o mais recente Rocky Balboa. Dramas humanos por trás de pancadaria e competições. O segredo não são as pouquíssimas cenas de luta ou pré-adolescentes se esbofeteando. A mensagem principal do filme de nunca desistir de seus objetivos, se os princípios são dignos, continua um ponto forte na película.

Anteriormente chamativa por mostrar a pouco explorada, e até misteriosa, cultura japonesa para o mundo ocidental e os benefícios de se olhar para outro mundo com olhos menos preconceituosos, agora a temática é outra. Preconceito toma um lugar de maior destaque para ilustrar a história, mas em nenhum dos dois filmes essa foi a mensagem principal. Tudo bem que o final desse filme foi bem menos tenso e catártico que o outro, mas ainda assim o carisma de atores e personagens até que levou ele bem mais longe do que esperado, arrecadando inclusive boa bilheteria. De qualquer forma, se já tiver visto outros filmes fantásticos em cartaz, essa pode ser uma boa pedida. Só sei que Pat Morita é insubstituível.

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A Origem [Crítica]

Mestre Zen — Mon, 23 Aug 2010 13:48:30 +0000

Um bom filme também é como um vírus… cresce na tela.

Não faz muito tempo, fãs de Batman e Chris Nolan se sentiram traídos, até mesmo “orfãos”, quando o diretor anunciou que colocaria Batman 3 na geladeira para fazer um filme totalmente misterioso chamado Inception. O elenco desde o início chamou muita atenção. Eis então, que muito tempo depois, Nolan cria a peça máxima de alusão entre o cinema e os sonhos, uma metáfora visual talvez pouco notada pelos espectadores da película, mas já capturada pelas noções perturbadoras do mestre Stanley Kubrick, entre outros. Em uma narrativa de ação moderada, nunca vazia de significado, ele coloca seu nome no panteão dos grandes diretores e talvez um dos únicos grandes diretores Hollywoodianos desse ano com uma obra prima, boa concorrente ao Oscar até agora.

A Origem conta a história Cobb, líder de um grupo de “espiões dos sonhos”, especialistas na arte da extração. Nada mais é do que tirar idéias e informações do sonho de uma pessoa sem que esta sequer perceba, através de uma tecnologia inovadora. Mas, o inteligente e perturbado Cobb recebe uma proposta irrecusável para fazer algo quase inpossível. Ele deverá implantar uma idéia através dos sonhos, em troca receberá uma quantia obscena de dinheiro e algo que o redimiria de todos seus erros: a possibilidade de voltar para casa. O que ele não contava, é que além da dificuldade de fazer algo que muitos julgam impossível, ele tem que lidar com um inimigo que nem ele mesmo pode prever ou deter, enquanto corre contra o tempo.

A trama obviamente é muito mais complexa do que isso, desenvolvendo tanto seu personagem como alguns dos coadjuvantes, protagonistas e antagonistas, em um emaranhado de emoções, personalidades e apropriações de termos psicológicos. Christopher Nolan é conhecido por dois méritos, ser extremamente meticuloso e sigiloso. Dessa vez não só conseguiu a maestria diretorial, como também teve liberdade de criar toda a história ao longo de anos em que o roteiro ficou “engavetado”. Surpreendentemente, a história nos foi revelada apenas nos últimos meses de divulgação e o hype já estava formado. Genial, tanto de sua parte como do estúdio, já que a complexidade da história nunca seria passada por uma sinopse. É como tentar resumir 2001: Uma Odisséia no Espaço em 2 linhas. Nem é preciso falar também do sucesso da parceria de Nolan com o mestre Hans Zimmer. Trilha sonora de primeira, que vale a pena aguardar para comprar em edição especial com faixas extras, como em Cavaleiro das Trevas.

Grande parte desse sucesso vem também da ótima seleção de elenco. Leonardo DiCaprio não só tem a experiência necessária, como abraça e expressa toda a carga dramática do personagem. Ellen Page recae novamente no seu estereótipo de adolescente com visual meio nerd e não tem tanta oportunidade de ousar, mas rouba a cena mesmo assim com sua simpatia. O estilo “namoradinha” convence sempre. Acaba dominando a cena com bons diálogos e contra ponto do personagem Cobb. A grande revelação é Ken Watanabe em posição de maior destaque no filme, revelando várias facetas e dando vida além do imaginado a seu personagem, Saito. Talvez a melhor atuação seja a de Marion Cotillard, que além de ter que interpretar basicamente dois papéis – a esposa de Cobb e sua imagem no inconsciente do mesmo – consegue passar toda a complexidade de um diálogo entre duas facetas de uma mesma pessoa. Fantástica.

Ação reflexiva é algo que diretores buscam, mas raramente conseguem atingir no cinema de ação, pois acabam se perdendo no tamanho da produção e roteiro, se afogando em efeitos. Nolan atingiu esse feito como poucos. Mesmo assim, desliza bem de leve ao se apropriar hollywoodianamente de conceitos ultrapassados da psicanálise para tentar dar forma ao mundo dos sonhos, que pela lógica não deveria ser tão rígido e lógico como é pregado no filme, com todas as suas regras e exatidões.

Mesmo assim, a ótima ambientação nos faz esquecer esses deslizes técnicos e nos faz mergulhar em uma narrativa de personagens muito bem amarrados. Alguns personagens até não são desenvolvidos, mas deixam sua marca, como o intrigante Arthur de Joseph Gordon-Levitt. Uma mistura mais do que eclética de um ar “Kubrickiano” a um universo meio Matrix. Que seria o cinema e a experiência de um filme além da experiência de um sonho? Como duas horas poderiam ser distorcida em dias, semanas, anos, até séculos? Como coisas particularmente sem sentido ou totalmente fantasiosas poderiam preencher totalmente nossas mentes como um filme? Seria o próprio cinema uma “inserção” de idéias a nível inconsciente em nós mesmos? Perguntas é o que a película mais nos traz.

Com certeza não será a obra absoluta sobre sonhos de todos os tempos, mas sem sombra de dúvida é diversão da melhor qualidade com supremacia não apenas nos aspectos técnicos, mas em uma história fabricada e envelhecida como os melhores vinhos do mundo. Difícil falar algo sem dar spoilers, mas é suficiente que todo o ótimo boca a boca, grande sucesso de público e crítica e a competência de todos os envolvidos falem por si, para pelo menos despertar a curiosidade de ver esse filme. Assim funcionam as idéias, como o personagem principal gosta de colocar, “como um vírus”. Nem preciso dizer que está recomendadíssimo, provavelmente alguém já fez isso por mim em suas cabeças.

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O Último Mestre do Ar [Crítica]

Mestre Zen — Sat, 21 Aug 2010 06:13:30 +0000

Shyamalan apronta novamente.

O receio foi grande depois que a película foi destruída por mais de 90% dos críticos ao redor do mundo. Shyamalan, mesmo assim, afirmou que queria criar sua própria triologia adaptada, assim como Peter Jackson teria trilhado os passos com Senhor dos Anéis. Bem, digamos que ele não é Peter Jackson. Em um desastre autoral, a coisa foi de mal a pior, salvando-se apenas em parte da adaptação visual, que foi uma das poucas coisas que trouxe algum sorriso no rosto deste que vos fala.

O Último Mestre do Ar é adaptação da animação Avatar – The Last Airbender, que conta a história de quatro nações dominadoras dos quatro elementos: Ar, Água, Terra e Fogo. As quatro nações viviam em paz, amparadas pelo Avatar, uma única pessoa a cada geração que controlava os quatro elementos. Quando este sumiu durante 100 anos, deixou que a Nação do Fogo começasse uma guerra, que colocaria o mundo em perigo. Agora, o jovem Aang ressurge como a reencarnação do Avatar e tem que lidar com um mundo em guerra e sua própria culpa por ter desaparecido por quase 100 anos.

A premissa é velha conhecida de fãs ao redor do mundo, mas não do bom e velho M. Night Shyamalan. Convencido a adaptar a animação por pressão de amigos e família, parece que ele fez a coisa meio “forçado” mesmo. Muitos consideravam essa como sua última tentativa de redenção depois do fiasco total que foi Fim dos Tempos. Infelizmente, ele parece incapaz de suportar a tarefa tripla de produzir, roteirizar e dirigir uma película. Dessa vez, não muito diferente de algumas tentativas anterirores, falhou miseravelmente.

O roteiro é uma triste sombra da grandiosidade que foi a animação. Uma animação de personagens simpáticos e bem construídos, dilemas interpessoais que são revelados em doses homeopáticas e uma mitologia unida a ambientação impecável. É o retrato da guerra e da filosofia das artes marciais no seu âmago mais puro. Infelizmente, Sr. Noite transformou isso em um apressado apanhado do primeiro episódio, coisas pouco interessantes da primeira temporada e os dois últimos episódios da mesma, chamado “Livro da Água” – já que a animação é dividida em 3 livros, 3 temporadas. Diálogos são de dar vergonha alheia na primeira meia-hora, tanto para fãs quanto novatos no universo Avatar. As coreografias não são totalmente desastrosas, mas nem de longe lembram a grandiosidade que a animação representava. Desastre de roteiro. Simplesmente nulo.

Na direção ele consegue pelo menos um pequeno trunfo. Um espetáculo de ambientação visual. Não poderia imaginar cenários melhor adaptados para a realidade nem se quisesse. Infelizmente peca na seleção de elenco, escolhendo na maioria péssimos atores, dando os papéis principais para atores 100% inexperientes e diálogos que não cooperam. Também não foram vistas com bons olhos as mudanças de etnias das nações. Esquimós viraram europeus, chineses viraram indianos e tibetanos viraram africanos. Um desastre que fere os olhos dos fãs. O único diferencial que podemos notar é a atuação de Iroh, feita por Shaun Toub. Se não se lembram, ele foi o cara que a quase 2 anos libertou Tony Stark das cavernas no oriente Médio e o transformou em Homem de Ferro. Único bom ator veterano no filme, que fez o possível com as fracas falas que lhe foram dadas. Dev Patel continua querendo Ser Um Milionário, e está ótimo em suas coreografias, mas longe da grandiosidade que representa Zuko. Valeu a tentativa pelo menos. Os outros não tem desenvolvimento de personagem suficiente para merecer menção.

Então, recapitulando: assassinato da história, diálogos ridículos, atores inexperientes, péssima seleção de elenco, roteiro sofrível… Esqueci alguma coisa? Sim, o inexistente 3D. Não bastasse o filme ser ruim, ainda foi total enganação. Não existe uma cena em 3D durante todo o filme. Resultado da conversão, técnica comprovadamente ineficiente. Se você não filmou em 3D, não anuncie 3D. Fato. Infelizmente, além de incitar a fúria dos fãs, Shyamalan ainda enganou todo o público pagante do filme, que foi absurdamente roubado.

Dito isso, não preciso dizer para NÃO ir ao cinema. Se for fã, nem mesmo alugue ou assista na TV. Não macule suas ótimas lembranças da animação, que é dotada de sentimento, construção de personagens e maravilhoso enredo. Se você não viu o filme ou a animação, opte pela animação e passe longe do filme. De qualquer maneira, fica recomendação de não ir sob nenhuma circunstância ver O Último Mestre do Ar. Minha teoria pessoal, é que Shyamalan é o melhor editor de trailers do universo e pior cineasta de longa metragem depois de Uwe Boll nos últimos tempos.

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Os Mercenários [Crítica]

Mestre Zen — Mon, 16 Aug 2010 07:14:08 +0000

A ação clássica revive.

Apesar da crítica dividida ao redor do mundo, acredito que muitas das críticas negativas de Os Mercenários provém de não entender exatamente a proposta do filme. Primeiramente, Stallone deixou bem claro desde a pré-produção até todas suas entrevistas, inclusive o polêmico Painel na Comic-Con, que isto era uma homenagem. A idéia? Fazer um filme de ação clássico e típico dos anos 80. Se ele foi bem sucedido? Com certeza. Rambo IV é um passeio no parque perto do que esse filme tem a trazer. Com certeza não tem a glória de Rocky Balboa ou a inteligência de A Origem, mas com certeza faz exatamente o que propõe. Moeda rara hoje em Hollywood.

Os Mercenários conta a história de um grupo de mercenários (ORLY?) que procura aceitar as missões que ninguém é louco o suficiente para executar. Eles recebem a proposta de matar um ditador em uma pequena ilha da América do Sul, mas ao chegar lá descobrem que existe muito mais por trás disso que um simples serviço.

Resenha simples e a história mais simples ainda. O roteiro é pífio, mas também são todos os roteiros de filmes de ação dos anos 80. Digo filmes de ação clássicos mesmo, de Chuck Norris a Stallone, passando por Schwarzenegger e até Van Damme, não existe muita profundidade nos roteiros da década perdida. E mesmo sendo algo risível de mal estruturado, é divertido exatamente por trazer todos os elementos que nos fizeram vibrar nas nossas cadeirinhas enquanto assistíamos Sessão da Tarde. Frases de efeito tão clichês que em qualquer outro filme causariam vergonha alheia. Motivações totalmente questionáveis e atitudes absolutamente impensadas. Mesmo assim… tudo funciona. Porque a receita para um filme dos anos 80 é exatamente essa.

Como diretor, Stallone triunfa em dois sentidos. A sanguinolência é sem precedentes. Rambo é uma bandeirante perto desses caras. Em segundo está o que ele faz pelo conceito visual: um filme de pura testosterona. Não tem nudez como estávamos acostumados antigamente, mas os músculos, tiros e explosões estão lá em medidas ainda maiores. A comédia também está presente, nas mesmas piadinhas que nos fizeram rir antigamente e hoje nos fazem pensar “nossa, como era engraçado mas agora é engraçado de ridículo”. Para vocês terem noção, em um dos momentos cômicos do filme, quando dois atores começam a entrar numa conversa sobre “sentimentos”, um deles logo corta dizendo que estão “passando dos limites”. Genial!

Não se iludam, o filme é centrado em Sylvester Stallone e Jason Statham. Os outros fazem suas aparições e desenpenham seus papéis em momentos chave. Jet Li, Dolph Lundgren, Steve Austin e Randy Couture fazem o que vieram fazer, lutar brevemente e aparecer nos créditos. Eric Roberts volta no papel de vilão que lhe cabia a 20, 15 anos atrás. Genialmente trash como sempre. Colocou um sorriso no meu rosto com suas frases prontas. A grande revelação do filme foi Terry Crews. Comédia, uma cara psicótica e carisma na medida certa. Está pronto para zarpar de Everybody Hates Chris para o cinema de ação, em papel de maior destaque. Sem falar que ele protagonizou a cena mais fuderosa de todo o filme. Quando assistirem, vão entender. Giselle Itié prova que é gostosa, mas talvez não a melhor atriz para um filme de ação. Charisma Carpenter poderia ter aparecido mais. Brittany Murphy foi cortada da película, mesmo aparentemente tendo filmado antes de morrer, até onde fiquei sabendo. Mickey Rourke nem precisa dizer, o único ator dramático de todo o filme. Show garantido.

Talvez um dos momentos mais épicos do filme, que gerou burburinhos no cinema e adoração total, seja a cena dos três gigantes. Apesar de menos de 5 minutos, ver Sly, Arnold Schwarzenegger e Bruce Willis contracenando e trocando tiradas entre si em uma cena de puro improviso… não tem preço. Valeu o ingresso.

Não tem muito o que comentar. Efeitos especiais discretos e muito bem colocados. Cenas de ação com poucos dublês e muita pancadaria entre os próprios atores, cheias de violência e combate corpo a corpo. Algo que definitivamente falta nos filmes de ação atuais. Brutalidade de socos entre brutamontes ou golpes rápidos entre lutadores de artes marciais. Brigas de lâminas com muita violência e sangue. Tudo que se espera de uma bomba pura de testosterona está lá. Pode parecer pobre de história e sem propósito para alguns, mas eu sei que muitos caras sentem falta dessa descarga catártica de brutalidade e ossos quebrados na pura virilidade agressiva, que simplesmente sumiu em meio ao cinema reflexivo e de cunho visual gerado por computador.

As vezes simplesmente queremos ver porrada e boas piadas. Sem precisar pensar.

Se dispam da região responsável pelas funções superiores em seus cérebros. Entrem naquela região límbica de pura agressividade animal. Aceitem o humor saudoso e barato de 25 anos atrás e vamos ser felizes assistindo a película. E garotas, essa crítica foi voltada para homens, assim como o filme, mas se o seu tipo for caras fortes sem camisa e cafajestes, este pode ser seu filme. Como alguns críticos dizem: Elas tem Sex and The City, nós temos Os Mercenários. Me chamem de louco, mas eu aconselho esse filme.

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Salt [Crítica]

Mestre Zen — Thu, 05 Aug 2010 11:30:52 +0000

A Boca faz um filme “meia-boca”

Angie, A Boca, Bangelina, etc. Esteve fora dos filmes de ação por algum tempo. Desde O Procurado não vemos a gostosa atirar, surrar e outras formas de sadismo com seus inimigos em uma película. Agora, Angelina Jolie volta em um thriller de espionagem Salt, que tinha tudo para ser interessante, não tivesse caído em uma sucessão de clichês e um roteiro que vai decaindo durante a película. Todos os envolvidos foram extremamente competentes, mas nada é páreo para a fúria de um péssimo roteirista e críticos contundentes.

Veja mais aspectos sobre a produção na nossa novíssima video crítica abaixo. Ainda com algumas coisas para corrigir.

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Predadores [Crítica]

Mestre Zen — Sat, 31 Jul 2010 14:30:04 +0000

Perfeita homenagem a um clássico não tão perfeito

Tudo bem, teve uma semana de atraso. Nada perdoa, eu sei. Mas tudo foi por uma boa causa. Duas na verdade. Uma é que em final de férias tem que ser resolver tudo que não vou poder resolver pelos próximos 5 meses. Outra é que temos agora nossa fodáxima vídeo crítica. Sim, é a estréia e portanto está com montes de problemas, a começar pelo formato que fiz a besteira de não colocar em widescreen como o sr. Youtube e similares adoran e fiquei com preguiça de arrumar. Problemas a parte, confiram o que acharam e prometo que as próximas serão muito melhores. Predadores está aí para quem quiser ver.

Novo formato de crítica do blog. O que acha? Melhor? Pior? Dá na mesma? Por favor, deixem suas opiniões nos comentários.

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Encontro Explosivo [Crítica]

Mestre Zen — Fri, 16 Jul 2010 21:39:05 +0000

Missão Impossível 3 1/2

É fato que esse filme tem um propósito ainda maior do que a breve diversão de uma hora e meia que proporciona, definir a rentabilidade e o futuro da carreira de Tom Cruise. Antes sendo um dos atores mais influentes de Hollywood, hoje é substituido por nomes como Tarantino, Robert Pattinson e até Robert Downey Jr. depois de quase 2 anos parado da atuação. Tem todas as suas fichas depositadas em mais um filme de ação que acabou por definir seus futuros trabalhos como Missão Impossível 4. Infelizmente não foi dessa vez que o maluquinho da Cientologia conseguiu emplacar mais um. Com atuações razoáveis, mas roteiro nada imaginativo, a película cai na mesmices de seus últimos filmes de ação, sem muita novidade e sem muitas portas se abrindo no futuro do espião favorito de Hollywood.

Encontro Explosivo conta a história do encontro de Roy Miller, super agente secreto da CIA, com a mecânica restauradora de carros (what?) June Havens em um casual esbarrão no aeroporto de Wichita, Kansas. A partir daí, os dois entram em uma jornada louca por segredos de espionagem, traficantes de armas espanhóis e agentes duplos onde todos parecem ter uma segunda agenda em mente, mas que não impede June e Roy de se apaixonarem no processo.

A premissa mais do que estranha e de início misteriosa que divulgaram, é porque realmente não contém grandes trunfos e reviravoltas. Mais fraca do que as dos últimos filmes de ação de Cruise, a história é assinada por um novato, Patrick O’Neill. O diretor James Mangold tem ótimo bom gosto para locações, cenas de ação e até mesmo fotografia, mas peca incrivelmente em algo fundamental para o filme, o ritmo. Por outro lado, o lado cômico é sutil e divertido. Nada escrachado. Apesar disso tudo, não é capaz de remendar o roteiro que tem mais incongruências que filme de terror de quinta.

Nas atuações, Cruise até sabe fazer o maluquete que interpreta na vida real, mas de uma forma racional e contida. Cameron Diaz é quem realmente surpreende em um formato neurótico meio histérico, interpretando June e se equiparando a atuações, como a sua breve participação em Vanilla Sky, por exemplo. Talvez seja a dobradinha com Cruise que lhe faz bem. De resto, bom ressaltar que é o segundo ou terceiro papel de Viola Davis como chefe, diretora, etc de alguma coisa em filmes. Especialização, talvez? De qualquer forma, ela é boa atriz.

Talvez essa seja uma crítica curta porque não tenha muito o que criticar. O filme não é terrivelmente ruim, porque de certa forma tem seu nível de diversão, mas também não é absurdamente bom porque é medíocre em vários níveis da atuação, roteiro e direção. A verdade é que a trama não é fantástica, a ação não é inovadora e todos os propósitos de um bom filme de ação não estão lá. Se observar pelo lado “comédia romântica” também não emplaca porque não tem o básico de romance e comédia para se dizer “uau”. Detalhe para a cena em que Cameron Diaz toma “soro da verdade”. É o que faz valer o filme.

No mais, não recomendaria MESMO gastar dinheiro com esse filme. É um típico filme divertido de Sessão da Tarde. Divertido, realmente, mas não “Oh meu Deus, é o melhor filme de ação da década” divertido. As opções em cartaz dão de 10 x 0 em Cruise/Diaz e o fracasso de bilheteria aqui e no exterior parece demonstrar isso de forma consistente. Tanto que Cruise perdeu seu papel de destaque em Missão Impossível IV por conta do prejuízo financeiro que suas polêmicas renderam a esse filme. Então não entrem na canoa furada que pode ser Encontro Explosivo. Quem avisa…

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Shrek Para Sempre [Crítica]

Mestre Zen — Sun, 11 Jul 2010 15:27:57 +0000

Último gás do Ogro não vence corrida

Fazem quase 10 anos desde que conhecemos o primeiro personagem a quebrar os paradigmas infantis da indústria Disney. O maior anti-herói infantil de todos os tempos era nem um pouco infantil, cheio de piadas para adultos e gozações com a indústria da animação tradicional, Shrek inaugurou uma nova fase de animações para adultos tanto quanto para crianças no cinema. Estariam proibidas as músicas que geravam vergonha alheia e principalmente premissas ridículas e surreais com personagens fofinhos. Tudo era bem… “ogro” e a mensagem principal do filme era para que os espectadores se aceitassem por mais feios, gordos e fedidos que fossem. Sucesso eterno! E talvez estejam estranhando porque essa crítica fala apenas sobre o passado de Shrek, mas é porque é basicamente disso que vive seu quarto e último filme. Uma maneira triste de um ogro adorável se despedir.

Em Shrek Para Sempre, nosso ogro favorito está vivendo seu “Felizes Para Sempre” com Fiona, seus três filhos e amigos, mas nota que caiu na rotina. Ele não é mais temido, depois de se tornar o herói do Reino, e não tem liberdade para fazer mais nada que costumava fazer nos velhos tempos. Pensando no passado, quando realmente se sentia como um ogro, Shrek assina um contrato com o falante Rumplestiltskin, que resulta em uma tragédia. Sua vida muda completamente, ele passa a viver em mundo que é o oposto do Reino Tão Tão Distante, em que os ogros são caçados, ele e Fiona nunca se encontraram e ele mesmo nunca nasceu. Agora ele tem que corrigir os erros e voltar tudo ao normal tentando não perder o amor de sua antiga esposa Fiona.

Basicamente os erros surgiram em várias áreas, mas na parte diretorial até que não há grandes reclamações, exceto pelo uso pobre do recurso 3D por parte de Mike Mitchell. Facilmente você pode aproveitar uma cópia em 2D e se divertir horrores. Tirando uma única sequência de vôo do filme, o 3D não é presença recorrente na película. Mais uma vez, o 3D parece existir apenas para dificultar a pirataria e tirar uns trocados da audiência e isso é extremamente irritante. Também, nunca teremos a visão inovadora e especial dos primeiros roteiros e doprimeiros diretore de Shrek 1 e 2, Andrew Adamson.

Tendo conferido a cópia legendada, posso dizer com facilidade que é talvez o melhor trabalho de Eddie Murphynos últimos 10 anos. Rouba a cena inevitavelmente. Não me preocupo com a dublagem brazuca porque sempre está se saindo bem não importa a situação. Talvez a grande diferença entre versão original e dublada fique por conta da boa atuação de Cameron Diaz como dubladora. Ela realmente parece ser melhor dubladora do que atriz inclusive na maioria de seus filmes. Os personagens novos não tem tantos nomes famosos como nas outras animações “ogrísticas”. Sem dúvida, o melhor do filme é Antonio Banderas, sempre. O Gato de Botas ganha seu tom espanhol canastrão, não importa a situação e isso vai lhe render uma animação própria em um spin-off que estamos acompanhando atentamente. Teria o Gato carisma suficiente para aguentar tudo sem o Burro e cia? Fica a pergunta.

No mais, não tem muito o que falar. A premissa é provavelmente a mais óbvia de todas. O desenvolvimento dos personagens dessa vez é ainda mais previsível. Um ogro com crise de meia idade, refletindo sobre a vida e sem grandes dilemas para retratar. A Dreamworks já foi melhor e mais tocante. Nem mesmo o eterno carisma dos personagens conseguiu emocionar. As piadas foram interessantes, mas as melhores ficaram por conta realmente da interação com personagens secundários como Gato e o Burro, de resto foi um drama sem muita emoção. Mesmo com todos esses contras, a nota é sempre alta porque… Quem consegue dar nota baixa para aqueles olhinhos do Gato de Botas?

Se tiverem visto tudo e não quiserem passar pela tortura de assistir Eclipse, recomendo que procurem uma boa cópia legendada em 2D e aproveitem o filme, senão a Sessão da Tarde está aí para isso. Não gastem seus ricos dinheirinhos a toa. A despedida do grande ogro não é tão apoteótica quando deveria e já vai tarde a sua aposentadoria depois de espremer cada centavo em uma produção nostalgica, mas nada tocante.

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Eclipse [Crítica]

Mestre Zen — Mon, 05 Jul 2010 03:57:28 +0000

Melhor de três?

Prometi a mim mesmo fazer uma análise mais imparcial, apesar de quão irritantes podem ser algumas fãs da Saga Crepúsculo. De certa forma, o clamor dos fãs foi ouvido. Acompanhado de uma verdadeira especialista e twihard já em fase adulta, nossa colaboradora Clarissa Ramos, fui ao cinema depois que o frenesi da estréia passou. Depois de mais de ano de reclamação sobre o fiasco de Lua Nova tanto de crítica quanto de público pelos próprios fãs, não só Melissa Rosenberg como o novo diretor, viram o quão adequado seria fazer algumas modificações. Devo dizer que compensou pesadamente. O filme com mais ação, mais comédia e melhor fotografia encheu os olhos de alguns espectadores e os coraçõezinhos “miguxos” das fãs, abrindo caminho para a parte final da franquia Crepúsculo.

Em Eclipse, Bella Swan está relutante em aceitar o pedido de casamento de Edward Cullen e pensando sobre as ramificações de sua vontade contínua em ser transformada em vampira pelo namorado. Para dificultar, ela tenta reatar a amizade com seu melhor amigo Jacob Black, que continua mais apaixonado do que nunca pela garota. Enquanto isso, uma velha conhecida do casal, Victoria, reúne um exército em Seattle com a ajuda do seu braço direito, Riley, para invadir Forks enfrentando os Cullen e matando Bella. Em uma tenebrosa batalha, corações são colocados a prova e destinos serão traçados.

A premissa é até mais interessante que as outras, já que alguma ação é esperada enquanto se toma como pano de fundo toda a mitologia criada pelos outros dois filmes. O diretor David Slade, do fantástico 30 Dias de Noite, sabia que tinha uma árdua tarefa pela frente, mas cumpriu a mesma com maestria. Provavelmente sendo o melhor diretor dos 3 filmes até o momento, ele soube capturar o lado sombrio da vida vampírica, a reconstrução de época, uma trilha sonora agitada mas nada clichê e de tabela uma fotografia de tirar o fôlego. Mesmo não tendo como mudar as nefastas falas que lhe dão vergonha alheia, ele conseguiu amenizar o clima “miguxo” das cenas românticas ao máximo, tentando dar o máximo de toque de realismo. Detalhe para a homenagem a George A. Romero, vide abaixo, na chegada do exército vampírico. Uma homenagem a um dos patronos do terror moderno.

Já nossa roteirista “favorita”, senhora Melissa Rosenberg, não conseguiu ficar longe de alguns clichês que assasinaram Lua Nova, mas pelo menos conseguiu reduzir um bocado. Mesmo assim, furos no roteiro e algumas falas que te fazem querer morrer de vergonha alheia estavam presentes. Aparentemente ela não aprendeu que é possível ser romântico sem pronunciar falas retardadas em um filme. De qualquer forma, ela demonstrou mais respeito aos fãs dessa vez e aos espectadores incautos. Pontos nesse sentido. Se continuar assim, é possível que até goste dos últimos dois filmes da série, Amanhecer Parte 1 e 2.

Na atuação, aí sim vimos as grandes diferenças e pessoas se sobressaindo. Bryce Dallas Howard leva um dos maiores reconhecimentos por sua atuação como Victoria, no lugar de Rachelle Lefevre, que foi demitida depois de problemas com sua agenda. Em segundo lugar, obviamente fica Dakota Fanning, novamente com participação pequena, mas arrepiante. Essa baixinha me dá muito medo, sem brincadeira. Prêmio revelação vai para Jackson Rathbone, que pela primeira vez tem uma participação grande e emocionante como Jasper Hale, vampiro misterioso que finalmente tem a oportunidade de contar sua história. Nikki Reed também tem a oportunidade de brilhar ao contar a terrível e carregada história de sua personagem, Rosalie. De resto foi tudo mais dentro do esperado possível. O trio principal ficou meio apagado, mas se tivesse que destacar dessa vez, diria que Taylor Lautner continua se sobressaindo, mesmo com as falas toscas contra ele.

E talvez um dos grandes trunfos do filme tenha sido exatamente isso, o desenvolvimento de personagens secundários. Conhecer personagens interessantes como Jasper e Rosalie, provavelmente muito mais interessantes que o próprio Edward e Jacob, é a grata surpresa do filme. Um pouco de história real, sofrida, verdadeira, em meio a tanto romance adolescente. A vida não é tão cor de rosa e preto no branco como Bella imaginava. Seria a melhor mensagem do filme. Como Rosalie diz, quando você descobre a verdade, algo passa a ser mais importante do que romance na vida… sangue. E a película consegue o feito de criar uma batalha até a morte sem derramar uma gota. Vampiros quebram como vidro e lobos não derramam sangue. Espertinhos para driblar a censura.

A tentativa de intruduzir mais comédia e ação pode ter dado certo e provavelmente vai agradar tanto fãs como para-quedistas desavisados no cinema. A cena da batalha final com certeza faz jus aos trailers e impressiona. Mesmo assim, nem tudo são flores. Fica a dica para uma adaptação mais em conta com os diálogos românticos. O filme termina com a impressão de que a história não saiu do lugar. Bella ainda está esperando para casar, ninguém transou com ninguém, nenhum personagem principal morreu, nenhuma ameaça verdadeira surgiu e tudo termina como começou. Uma trama no melhor estilo do folhetim semanal. A impressão que se tem é de que Lua Nova poderia passar diretamente para Amanhecer sem que o espectador ficasse perdido entre um filme e outro. No máximo sentindo falta de uma vampira ruiva.Veremos até que ponto Amanhecer dará uma sensação menos vazia e mais marcante a franquia.

Lembrando que não sou leitor dos livros, mas recomendaria fortemente para todos os fãs, pois as melhorias foram visíveis, apesar de não serem suficientes para agradar todo o grande público. Podem ir tranquilas miguxinhas, existe luz no fim do túnel da Saga Crepúsculo para os fãs.

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Toy Story 3 [Crítica]

Mestre Zen — Fri, 25 Jun 2010 18:42:02 +0000

Hasta el infinito y más allá!

A Pixar vem emocionando as pessoas por anos, desde sua primeira e inovadora animação, Toy Story. Muita coisa mudou e muita água rolou até que, nos tempos atuais, as pessoas aprimoraram seu humor, se tornaram mais exigentes visualmente e até as crianças cresceram. Não só o notório “Andy”, dono dos brinquedos na animação, cresceu e se tornou mais participativo na história, como o próprio propósito dos personagens, sendo uma bela alusão a amizade e aos sonhos, tem que ter sua razão de existir questionada. Um filme hilário e profundo como podem notar a seguir…

Em Toy Story 3, Andy é um rapaz crescido e está de mudança para um campus universitário. A medida que tem que escolher o que levar consigo, acaba preferindo levar seu antigo brinquedo favorito, Woody, e deixar os outros em casa. Mas, acidentalmente, Buzz Lightyear e os outros são doados para a creche Sunnyside. Aparentemente, Sunnyside parece um paraíso para os brinquedos “aposentados”, mas nem tudo é o que parece. Logo a velha trupe se vê presa em um lugar terrível onde são maltratados por crianças abusivas, mas Woody não desiste de seus amigos e volta para tentar ajudá-los a escapar e encontrar seu verdadeiro dono.

Quando li essa premissa inicialmente, imaginei que seria extremamente clichê e enfadonha. Mas, a parceria Disney/Pixar sabe fazer das premissas mais simples, ou mais absurdas, uma verdadeira montanha russa de emoções sem igual. Rindo, chorando, ou ficando preso a cadeira, o filme começa devagar e recaptulando nossos velhos conhecidos, sem deixar bem claro o espírito das outras duas animações. Quando a história aperta e nossos heróis são ameaçados de abandono é que a animação fica frenética e não para mais. Essa adrenalina constante poderia até ser enjoativa, se não fosse bem dosada com cenas emocionantes, bom humor e muita criatividade por parte do já letrado John Lassater em parceria com Michael Arndt.

O diretor Lee Unkrich volta depois de Toy Story 2 e mais algumas dirigidas históricas da Pixar em Monstros S/A e Procurando Nemo. Sem dúvida, sua direção marca forte carga e apelo emocional na velha guarda da primeira metade da década 2000 na Pixar. Algumas das melhores animações do estúdio. Talvez sua única falha, fosse não conseguir integrar a tecnologia 3D tão bem quanto outra fodáxima animação desse ano, Como Treinar Seu Dragão, que realmente soube usar a técnica para acentuar a adrenalina. Usou do ritmo frenético para compensar a falta de familiaridade e perspicácia com a inovação computadorizada. Graças ao roteiro, tudo foi redimido. Mesmo assim, ele mostra com clareza que o nível de detalhismo, tanto nos brinquedos quanto nos personagens humanos é simplesmente assombroso. O cachorro “Buster” vem simplesmente como portifólio disso. Assistam e notem as texturas perfeitas e o número de objetos em atividade nas cenas. Impecável.

A dublagem brasileira é uma das melhores, e como se não bastasse Gilherme Briggs fazendo um de seus melhores trabalhos na pele de Buzz Lightyear, com ótimas tiradas e improvisos, ainda tem um refoço “espanhol” na jogada. Assistam um clip e compreendam lá embaixo. Atuação sempre foi o forte da dublagem brasileira. Tamanha a tradição dos dubladores, não consegui encontrar cópias legendadas, mas não me arrependo disso.

O grande trunfo da história realmente são os diálogos e dublagem, já que a animação sempre foi simples desde o início. Por muito pouco, a Disney/Pixar rouba a cena da Dreamworks, mais um ano consecutivo, conseguindo superar tanto na ação, quanto na dramaticidade e principalmente na comédia. Talvez tenham sido algumas das maiores gargalhadas que já tenha dado em uma animação. Apesar de ser para todas as idades, as várias tiradas sutis de duplo sentido, conotação sexual e referências da cultura pop vai fazer marmanjos se mijarem de tanto rir. Disney aprendeu a receita com os primeiros trabalhos da Dreamworks, enquanto o estúdio de Spielberg parece ter perdido um pouco a mão no sentido desse humor. Uma troca interessante de papéis.

Se você não assistiu porque está com preconceito em relação a animação, ou a ser algo infantil, ou porque já viu os outros 2 e não se animou. Não se iluda, Toy Story 3 é um desenho bastante adulto, profundo, que questiona o que é lealdade, amizade, a velhice e o que fazer quando chegamos a certa idade e nos sentimos “ultrapassados”. Basicamente, é sobre as coisas que fazem valer a pena viver. “Brincar” é só uma alegoria para carreira, família, etc. Talvez seja algo mais para os antigos fãs infantis, agora jovens adultos, do que só para crianças. Deixe seu preconceito de lado e vá assistir a, talvez não maior, mas melhor obra da Pixar até hoje. E fique para assistir as cenas durante os créditos, não vão se arrepender com a apresentação final. O mais hilário encerramento desde Se Beber Não Case.

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Kick Ass – Quebrando Tudo [Crítica]

Mestre Zen — Sat, 19 Jun 2010 23:24:39 +0000

Título ridículo para um filme nem tanto.

A produção independente de Matthew Vaughn percorreu um caminho muito longo e tortuoso até chegar nessas telonas do Brasilzão. Infelizmente, Kick-Ass tem uma estréia limitada a algumas cidades do circuito nacional, o que impede nerds e não-nerds de conferirem uma obra prima que discute a falta de ação, movimentação e deliberação da juventude moderna. Tudo isso com muito sangue, bom humor e uma direção fodáxima, claro. Apesar de não ter lido o material original escrito por Mark Millar, tentarei fazer justiça a crítica da saga de um verdadeiro herói.

Kick-Ass – Quebrando Tudo conta a história do ordinário Dave Lizewski, que de ordinário na verdade tem nada ou muito pouco. Ele começa a se ponderar porque ninguém coloca uma fantasia de super-herói e sai combatendo o crime e as injustiças por aí, mas acaba levando o pensamento a realidade e se ferrando completamente. Não desistindo, ele continua sua jornada e acaba descobrindo que não é o único a tentar fazer a diferença, mesmo esbarrando com algumas cruéis questões da realidade.

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A premissa ridícula e simples esconde uma obra diretorial sem precedentes. Mathew Vaughn tomou toda a responsabilidade dessa película dar certo, da financeira, a autoral, passando por todo o processo de produção. Já vi muitas críticas nos comentários dizendo que coloco muito peso ao trabalho do diretor, mas nesse caso não existe verdade maior. Em entrevista, ele mesmo disse, que se esse filme não fosse comprado e distribuído – já que o doido fez tudo sem ter um estúdio para comprar e distribuir a obra – seria sua brincadeira mais cara até hoje, custando certa de US$ 30 Milhões. Não desapontou. Se no roteiro ainda observei alguns probleminhas, mesmo sendo superior ao trabalho original, na concepção visual, direção e todas as outras facetas artísticas envolvidas, Vaughn acertou mais do que em cheio.

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Talvez o maior acerto do filme seja mesmo a seleção de elenco. Nunca antes atores caíram tão bem em seus papéis como com Kick-Ass. Sem sombra de dúvida, os novatos chama atenção para si. Não é a toa que Aaron Johnson está sendo cotado para novo Homem-Aranha. Extraordinário como Dave, sua narrativa é mais do que emocionante. Ele se transforma totalmente no aspecto físico, de uma forma muito pouco condizente com seu eu tradicional. Talvez o maior prêmio revelação vá para a gloriosa e já adorada, mesmo antes da estréia, Chloe Moretz no papel de Hit Girl. Apesar de parecer novata de tudo, tem uma longa carreira como atriz infantil em papéis pouco relevantes. Pelo visto, a experiência traduziu em sucesso no filme. A jovem de 13 anos intepretando a pequenina de 9 conseguiu passar toda a dramaticidade necessária e mais. Parabéns completos. De resto, McLovin sempre será McLovin, mesmo como Red Mist. Mark Strong surpreende, não interpretando o mesmo vilão de sempre, mas mostrando que sendo o vilão de sempre também consegue ser cômico dentro do roteiro certo. Ah é, tinha um outro “ator famosinho” no filme, mas alguém notou ele além da roupa de Batman?

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O principal é que Kick-Ass discute, de forma humana e condizente com o que muitos já pensaram, como o mundo atual parece inapto. A falta de grandes problemas, talvez amplifiquem nossos pequenos problemas, como batedores de carteira e traficantes de drogas. No mais central, Dave analisa realmente o que faz uma pessoa agir em contrapartida a toda essa inação. Basicamente, é o que faz de uma pessoa comum um verdadeiro herói. Ele não se enxerga como herói, não se sente herói, nem mesmo tenta agir como um verdadeiro “super-herói”, mas é um herói no seu sentido mais puro. Isso é notável através de sua narrativa e ao invés da vergonha alheia por ele e sua ridícula roupa, sentimos nós vergonha por nossa imaturidade e inação frente as adversidades.

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O discurso inicial da película levanta o clima ao qual o espectador deve estar atento ao longo de todo o filme, e se você se mantiver focado nisso aproveitando todas as graças e violências, vai ter um entretenimento e tanto. Por isso, Kick-Ass literalmente chuta bundas de muitas das grandes produções Hollywoodianas e praticamente quase todas que estão em cartaz. O Tony Stark comum é nada ordinário. Vão assistir JÁ! E fiquem ligados para uma possível continuação.

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Esquadrão Classe-A [Crítica]

Mestre Zen — Sat, 12 Jun 2010 22:13:22 +0000

Mais para um Classe B-

Tenho até um pouco de constrangimento em denunciar minha velheira e admitir para meus colegas de faculdade, ninfetos e ninfetas, que eu cheguei a ver algumas reprises de episódios de Esquadrão Classe A. Tendo dito isso, achava o humor de ação tosco deles extremamente divertido. Portanto fica impossível não conferir esse remake. Apesar dos elementos chave estarem lá e os atores serem os melhores possíveis, ainda ficou faltando algo para tornar a grande série dos anos 80 no primor moderno.

No filme, uma equipe de quatro militares a serviço do governo é montada e se especializa em missões quase impossíveis. Quando esta é colocada em uma emboscada e levada para a prisão militar, cabem a eles fugirem, assumirem a missão de limpar seus nomes e recuperar suas patentes, pegando o traidor que lhes colocou na encrenca enquanto fogem de seu maior inimigo: o próprio exército americano.

O diretor e roteirista Joe Carnahan teve seus méritos ao meio de algumas derrotas. O roteiro vai além dos limiares do cinema de ação atual, insultando demais a inteligência do espectador, a níveis “rebolation” de insulto. Mesmo assim, como diretor, ele pega em cheio nos elementos chave que a série antiga representava e como empolgar até os fãs mais tímidos. Fotografia é belíssima, mas mesmo assim a direção de arte pecou um bocado na supervisão do CGI. Aquele tanque não convence que é tanque nem em filme de G.I. Joe. A trilha sonora por outro lado acerta os pontos com ótimas músicas, inserindo a música tema nos momentos essenciais, sem exageros. Não bastasse tudo isso, Carnahan posicionou o melhor easter egg de todos, colocando um antigo episódio da série em um dos momentos do filme… em 3D. Vejam e entendam.

O elenco talvez seja a pedra salvadora do filme. Bradley Cooper está despontando como ator revelação na comédia e a agora na ação. Liam Neeson convence como a muito tempo não conseguia fazer. Sharlto Copley veio de um show de atuação em Distrito 9 diretamente para o maluco Murdock. Difícil interpretar um ranger ensadecido, mas ele faz o esteriótipo de forma digna. Além disso, Jessica Biel é a minha top 1, não tenho como mudar essa opinião. Aquela carinha com aqueles dentinhos desconexos do resto do rosto, sem falar no corpo… A verdadeira beleza está nas imperfeições sutis. Mas, o prêmio atuação vai para o sempre crível Patrick Wilson, que demonstrou ser tão nojento e bom bandido como soube ser herói em Watchmen.

Entre trancos e barrancos, a palavra que marca essa produção é “homenagem”. Dificilmente um “não fã” da série vai ver esse filme pelo seu valor. Muito possivelmente, nenhum não-fã vai arrepiar ao ouvir a musiquinha tema, muito menos vibrar com o moicano de B.A. em certos momentos. Tem que curtir o clima de testosterona e mentira hollywoodiana a um nível “milico” da coisa, bem diferente de filmes como a franquia Carga Explosiva. Se você não estiver afim de adrenalina, boas doses de “licença poética” e conferir um bom remake, deixe para a Sessão da Tarde. Caso contrário, pode até ser uma boa pedida para um fim de semana ocioso.

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Sex and The City 2 [Crítica]

Mestre Zen — Tue, 08 Jun 2010 22:26:25 +0000

O desfile mais caro da história do cinema.

Eu sei que várias fãs fervorosas, principalmente balzaquianas que nascidas 15 a 20 anos depois seriam fãs de Crepúsculo, vão querer minha cabeça em um espeto por não dar a nota máxima a esse filme. Mesmo com todos esses percalços, o filme tem seus méritos, diverte e faz rir, até para não-fãs da série como este que vos escreve. Sem ter assistido nenhum episódio da série, é perfeitamente possível curtir as aventuras das, agora coroas, de um ponto de vista novo e sabendo que elas representam boa parte do universo feminino classe média alta. Divertido e com razão.

Algum tempo depois do casamento de Carrie no primeiro filme, somos transportados paras as conturbadas peripécias do novo casal não tão novo assim. Samantha em uma crise de meia idade com sua menopausa, começa a tomar todo tipo de remédios. Charlotte lida com os problemas de ser mãe. Miranda larga seu emprego para colocar sua vida em perspectiva. Em meio a todas as turbulênicas, as garotas decidem fazer uma viagem para a paradisíaca Abu Dhabi, cidade que tenta se equiparar a Dubai nos Emirados Árabes. Tudo parecia correr bem, até Carrie ter a sua fidelidade tentada e colocar tudo em perigo.

O diretor Michael Patrick King acertou em cheio em todos os sentidos possíveis. Parabéns máximo para ele que entendeu como agarrar a aprovação do público feminino, fazer as devidas homenagens as fãs e ainda manter o filme extremamente bem situado nas tendências. Trilha sonora, fotografia, direção de arte e principalmente o figurino. Com um dos figurinos mais caros e atualizados da história, gastou mais de US$ 17 Milhões em roupas das mais caras grifes do mundo. Sem falar no cenário, que sempre se sobressai em todos os momentos, muitas vezes até ofuscando os problemas com a trama. Por esse lado, King errou absurdamente. Responsável também pelo roteiro, acabou pecando no sentido de que a trama que movimenta a história é fraca além dos sonhos mais loucos. Sua salvação foi ter compensado com outros fatores.

As atuações estão as melhores possíveis. São as mesmas pessoas nos mesmos papéis, mas todas se saem bem. São caricaturas da mulher moderna e muito bem representadas em si. Sarah Jessica Parker, Kristin Davis, Kim Cattral e Cynthia Nixon continuam tão boas como sempre foram. A grande nota diferenciada fica por conta de John Corbett, que rouba a cena em sua aparição como Aidan. Curta, mas movimenta a história e mostra muita habilidade em todos os sentidos. Convence. De resto, basta dizer que eu iria na Kristin Davis fácil. A melhor MILF das quatro para mim.

O que dizer que já não foi dito? Sex and the City 2 tem elementos para os fãs, mas impossível dizer que a comédia não é razoável. Talvez com um pouco menos de bundas, peitorais e closes em sungas seria mais proveitoso. Talvez menos dinheiro no figurino e mais em co-roteristas teria transformado a película em algo mais do que um desfile deslumbrante de 2 horas e vinte de duração, com algumas risadas nos intervalos. Arrancou suspiros das moças com suas roupas, mas não adicionou nada como comédia no final das contas. Talvez tenha cumprido seu papel… manter a franquia viva. Se você for fã, nem preciso recomendar. Se não for, posso recomendar pelo menos uns 5 outros filmes em cartaz que seriam proveitosos. Se já viu todos, vá fundo, mas com estilo.

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Príncipe da Persia: As Areias do Tempo [Crítica]

Mestre Zen — Sat, 05 Jun 2010 00:06:55 +0000

Uma homenagem a uma longa linhagem de jogos

A maioria da molecada gamemaníaca de hoje não tem idéia da tradição que o jogo Prince of Persia representa no mundo dos games. Um dos jogos mais populares para os antigos computadores 486, foi inovador por misturar jogos e Le Parkour, prática esportiva obscura nos anos 80. De lá até a superprodução da Walt Disney muita coisa rolou e a franquia foi revigorada com jogos para os consoles da nova geração. A longa tradição do príncipe que enfrenta lugares estranhos, escala e pula paredes e precipícios chega em grande estilo as telonas e não faz feio frente aos fãs da antiga e nova geração.

Príncipe da Persia: As Areias do Tempo é sobre Dastan (Gyllenhaal), um jovem príncipe persa que deve juntar forças com a princesa Tamina, para impedir que seu nobre tio Nizam possua as Areias do Tempo, um presente dos deuses em forma que permite a viagem ao passado através de uma adaga que apenas seu portador permanece ciente do que aconteceu Na mãos erradas, as Areias do Tempo podem ser capazes de poder inimaginável e até da destruição da humanidade.

Lendo essa simples premissa e vendo os clips e trailers é fácil se deixar levar por um sentimento “repetitivo” na constante ação da divulgação. A grande vantagem é que o diretor Mike Newell resgata uma atmosfera a muito perdida com os primeiros filmes de Indiana Jones. Suspense, comédia e romance temperam o filme de ação na dose certa. As cenas são belíssimas e as caracterizações mais do que sofisticadas, no melhor estilo dos novos games. As cenas de Le Parkour estão coreografadas no limite da perfeição com leves deslizes, principalmente em momentos climáticos, mas nada que vá prejudicar enormemente o filme.

No campo das atuações, não se tem nada a reclamar. Com atores muito bem colocados, todos desempenham perfeitamente seus papéis. Infelizmente pareceu até um pouco de desperdício um elenco tão fenomenal dramaturgicamente estar interpretando diálogos de certa forma limitados. Gemma Arterton continua a gostosa, como vocês já deve saber. Jake Gyllenhaal tem a oportunidade de expressar sua veia cômica de forma nova e inusitada como a muito não fazia e dessa vez faz direito. Quem rouba a cena é, o sempre maravilhoso, Alfred Molina, com seu “anti-herói” contraventor. O grande destaque ao meu ver vai para o pequeno, mas importante papel de Tus interpretado por Richard Coyle. Pequeno mas muito bem executado.

Nunca é demais dizer que para um bom filme de ação, mesmo sendo apenas um filme de ação, é melhor ter diálogos mais profundos e menos repetitivos. Se espera que quando abram a boca nas suas raras ocasiões, os personagens tenham melhores argumentos a apresentar e não sejam sempre as mesmas frases, tentando explicar toda hora o que a adaga com as Areias do Tempo faz, por exemplo. Isso insulta um pouco a inteligência de alguns espectadores. Apesar do medo de que a própria ação pudesse ficar repetitiva, foi muito bem sacada e coreografada. Não enjoa. No final das contas, apesar desses pequenos “probleminhas’ na produção, pode-se facilmente classificar Príncipe da Persia: As Areias do Tempo como uma futura franquia bem sucedida.

O roteiro surpreende pelas conversas e tiradas entre Dastan e Tamina. Rola uma tensão sexual tão grande que arrancou certas reações da galera no cinema. Vale também a conferida. Seja por amor ao jogo, por gostar de filmes de ação divertidinhos ou simplesmente porque a Gemma Arterton é uma branquela gostosa ducarái, Príncipe da Persia é recomendado de qualquer forma para esse final de semana.

Quem sabe você se interesse em saber…

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Final de Lost [Crítica]

Mestre Zen — Mon, 24 May 2010 09:06:52 +0000

Para mim tá ótimo, e você?

Existem momentos televisivos que estão na história mundial e Lost realmente é um deles. Por mais que tenham milhões de espectadores “descrentes” que execraram a série ao longo de 6 anos, na sua estréia em Setembro de 2004 até hoje, os Homens da Ciência ou Homens de Fé, tem que reconhecer a importância desse show como fenômeno da cultura pop. Tendo dito isso, as próximas palavras são puramente de fã e não como mera opinião crítica de entretenimento.

Lost teve momentos felizes, momentos tristes, momentos tensos e muita curiosidade. Sentimentos mais comum ao longo de suas 6 temporadas. A queda do vôo Oceanic 815 deu início a uma história que faria parte de uma mitologia muito maior do que uma pancada de estranhos caídos em uma ilha deserta. Os seus criadores e principais produtores J.J. Abrams, Damon Lindelof, Carlton Cuse e Jeffrey Lieber chamaram atenção pelo carinho com o projeto desde sua pré-produção, quando contrataram alguns dos melhores psicólogos, sociologos e consultores da área de ciências humanas para bolar um enredo de abertura fenomenal.

Flashforward 6 anos no futuro… Milhares de perguntas, algumas respostas e muita emoção é o que encerram as 2 horas e meia de show no canal ABC que foram ao ar no último Domingo, dia 23 de Maio de 2010. Através de uma série de reviravoltas na história da ilha e uma explicação mais do que sensata – apesar de nada científica – para o que seriam os Flashsideways, as 2 horas de programa emocionaram e fizeram até este que vos fala derramar lágrimas pela primeira vez por um programa de TV. Por mais simples que pareça, o “renascimento” de Aaron ao meu ver foi um dos pontos altos, seguido apenas pelo final apoteótico de ação e com um desfecho mais do que bonito com todo o elenco. Pontos extras para Hurley ser o novo Jacob e Ben seu regenerado sidekick. Entendo que o final não agradará uma parte dos fãs, que esperavam respostas e mais respostas. No episódio Across the Sea, antepenúltimo da série, os roteiristas já mandaram a mensagem:

“Cada pergunta que você fizer, levará a outra pergunta. Você deve descansar…”

Nunca teríamos todas as respostas e quem se iludiu com essa esperança, merece levar no… por ter sido tão ingênuo. Tendo dito e explicado esse ponto, deve-se ressaltar duas coisas sobre a série. Nunca foi sobre o mistério, apesar de que foi esse mistério e a internet que gerou um hype infinito, que ainda poderia durar mais 6 anos se bem conduzido. Outra coisa que se deve ressaltar é que a história era sobre duas coisas, as relações humanas e a Ilha. Apenas isso. Todo o motivo da série, desde o primeiro episódio era “a Ilha” e o background para isso sempre foi a relação entre os personagens e suas histórias – passado, presente e futuro. Ao final, eles estavam todos mortos nos Flashsideways, o que na frase de Christian Sheppard fica bem clara a intenção da série.

“Não existe ‘agora’ aqui.”

Brincar com as perguntas, com o tempo da narrativa e etc foram artifícios para manter os espectadores presos as histórias. E convenhamos, quem assistiu todos os episódios da série e tem um pingo de coração, se emocionou com todos os Flashbacks dos personagens e suas “vidas” na Ilha ao longo dos últimos episódios. Vibraram com cada encontro nos Flashsideways. Adoraram ver o Lostzilla/Homem de Preto/Etc morrer, apesar do pouco requinte de crueldade na sua morte. Melhor finish no estilo Charles Bronson. A palavra da vez foi emoção.

Quanto a produção, a TV nunca deixou muito espaço para críticas já que não lida com superproduções. Um dos aspectos interessantes fica sempre pela caracterização de cenários. Como a caverna bem caracterizada com a fonte luminosa. Outro ponto forte, o mais forte da série na verade, é a trilha sonora. Não por coincidência, o mesmo responsável pela trilha sonora de Lost, Michael Giancchino, é o responsável pela trilha sonora de Up – Altas Aventuras. Por ela, ele foi Oscarizado e também foi a única animação até hoje a me emocionar no cinema e fazer um marmanjo chorar que nem uma menininha sem o sorvete. 2 x 0 para Giancchino. E não compensa citar outros nomes, porque todos os atores estão de parabéns. Menos Rodrigo Santoro que, junto com Kiele Sanchez, entrou mudo e saiu calado, tendo apenas uma descarga de privada como grande feito na série. Hilário.

De resto, me uno ao coro de fãs contentes com esse final, dou nota máxima e me pergunto o que será da minha antecipação de começo de ano sem Lost para voltar na próxima temporada de séries. Lost é mais que uma série, pois como diria sabiamente os autores do Nerdcast: Você não asisste Lost, você vive Lost.

Boa sorte para todos de agora em diante e… see you in another life, brotha!

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Fúria de Titãs [Crítica]

Mestre Zen — Sat, 22 May 2010 12:00:34 +0000

Morte aos Deuses e ao enredo.

A mitologia grega é de fato fodáxima e rende histórias. Se levarmos em consideração que era para ser um remake de uma história já fodáxima em 1981, não tinha como dar errado, certo? Errado. Realmente uma película pode gastar fortunas e enganar seus futuros espectadores com boa divulgação. Todo o hype em torno do maravilhoso trailer e a promessa de um filme “transformado” em 3D acabou não vingando. Longe de ser um filme feio ou mal dirigido, mas ele perdeu em duas coisas fundamentais: protagonista e enredo.

Fúria de Titãs conta da batalha final entre reis humanos e deuses mitológicos, quando a guerra com os deuses ameaça destruir o mundo. Nascido de um deus mas criado como homem, Perseu é impotente para salvar sua família de Hades, vingativo deus do submundo. Com nada mais a perder, Perseu se voluntaria a liderar uma perigosa missão para derrotar Hades. Liderando um bravo grupo de guerreiros, Perseu sai em uma jornada perigosa nas profudezas do submundo. Batalhando demônios malditos e feras imponentes, ele somente sobreviverá se conseguir aceitar seu poder como semi-deus, desafiar o destino e criar seu próprio futuro.

O diretor Louis Leterrier não é ruim. Pelo menos eu ainda acredito nele. Desde Carga Explosiva, ele vem mostrando que cenas de ação são seu forte. Infelizmente as suas escolhas de roteiros e algumas histórias com as quais trabalhou não ajudam na sua causa. Com muita perspicácia, ele mostrou que sabe o que está fazendo, com sequências de ação que geralmente ilustram perfeitamente bem a história. Inclusive isso rendeu belíssimas cenas, que empolgam durante o trailer. Só que também não é um gênio da direção, faz o que pode com o pouco que tem. Por tirar leite de pedra e um bom gosto tanto para a recriação visual de Fúria quanto para as menções honrosas ao filme original, está de parabéns. Será que alguém vai saber o que significa a corujinha mecânica que aparece no filme?

O elenco certamente não ajuda. Liam Neeson não nasceu para ser Zeus, ou qualquer um dos Deuses. O visual Qui-Gon Jin não ajudou também. Ele parece um mendigo, não o maior deus do Olimpo. Em atuação fica no mesmo patamar. Seu filho bastardo interpretado por Sam Wothington ajuda menos ainda. Ele já não é um ator top, com emoções bem robóticas e tudo mais. Imagine ele tentando personificar os sentimentos humanos mais básicos como a dor da perda ou fúria da revolta? Não dá, né? Por outro lado, muito gratas surpresas. O ator Mads Mikkelsen, reconhecido na Europa, faz uma fantástica interpretação do anti-herói de ação Draco e rouba totalmente a cena de Whorthington. E o filme conta não com uma, mas com duas super gostosas que também parecem boas atrizes. A sutil britânica Gemma Arterton, que está despontando em outros papéis, além da pouco reconhecida Alexa Davalos no papel da princesa Andrômeda. Participação pequena, mas significativa. Não precisa nem brincar em dizer que o melhor ator do filme foi Ralph Fiennes como Hades – um tipo de Voldermort 2 – que infelizmente não teve um trabalho muito generoso do roteirista. Falas sofríveis.

Aliás, se tivesse que trucidar algo no filme, seriam os péssimos diálogos tecidos por Travis Beachman e Phil Hay. Sofrivelmente clichezentos, além de muitas vezes repetitivos e chatos. Juro que os diálogos dos protagonistas, não fossem entrecortados com a voz deliciosa de Arterton, teriam me irritado profundamente. O pior ponto do filme. Aliás, a chacina que promoveram com o roteiro original de 1981 foi triste. Realmente triste. Se não assistiram, faço questão que pelo menos dêem uma olhada. A coisa mais enfurecedora na verdade foi ter pagado um absurdo mais caro na entrada para NÃO ver o 3D. Prometo a vocês que olharão por cima de seus óculos e tentarão ver onde diabos está o 3D. Tudo bem, a tecnologia foi empregada, mas Leterrier simplesmente NÃO FEZ o filme para ser em 3D. Ele foi aplicado posteriormente e serviu para basicamente nada. Compare com um filme como Alice por exemplo. Qualquer outro filme 3D que seja. Não está lá e essa artimanha barata para arrancar dinheiro dos espectadores não soa honesta.

Pelo lado positivo, a belíssima sequência de abertura contando a mitologia grega, aliada a visão “Fúria de Titãs” da mesma, é simplesmente belíssima. Fazendo alusão a astronomia e como várias constelações levam nomes mitológicos, foi envolvente e até criou um clima para o começo do filme, que… não correspondeu. Mas, tudo bem. Leterrier tentou. Agora fica a pergunta se o estúdio vai aproveitar o gancho para tentar fazer um segundo filme. Provavelmente sim, já que deu algum lucro apesar do massacre da crítica.

Se o ZeroOitocentos recomenda? Apesar de um certo requinte visual e algumas cenas de ação interessantes, definitivamente não recomendo fomentarem o roubo que foi pagar mais caro para ver 3D um filme NADA 3D. Então se tiverem uma cópia barata em 2D a mão, podem até assistir em um dia ocioso e já tendo visto todos os outros filmes em cartaz. Senão, pode esperar para buscar na locadora e assistir em um home theater que dá na mesma. Deixo vocês com o trailer bacaninha e o “potencial” do filme.

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Robin Hood [Crítica]

Mestre Zen — Mon, 17 May 2010 14:47:38 +0000

“Levante-se e levante-se de novo até que cordeiros virem leões”

Depois de considerável hype e comparações pela clássica dobradinha vista pela última vez em Gladiador. Chega aos cinemas de todo o mundo uma das figuras da mitologia pop mais famosas das últimas décadas. Robin Hood ganha uma uber repaginada, seja por motivos de melhor acuidade histórica ou só para tentar fugir do clichê, não tem como fazer algumas comparações com a outra obra histórica que ator e diretor criaram juntos com outra equipe “épica”, e assim o filme cai em alguns clichês, mas ainda assim um dos melhores filmes, senão o melhor, do personagem até hoje.

Robin Hood conta a história de Robin Longstride, arqueiro a serviço do Rei Ricardo Coração de Leão na volta das tropas inglesas das cruzadas a Jerusalém. Quando o rei morre e ele se vê em condição de ter que se virar para sobreviver com um pequeno grupo de companheiros, tem no seu caminho o destino de entregar uma espada nas terras de Nottingham para cumprir o último desejo de um moribundo, Robert Loxley. Ao retornar para a Inglaterra, encontra um reino dividido, um sucessor tirano no trono, que prejudica os seus súditos com taxações absurdas e uma parte desse reino que precisa de ajuda para lutar contra as injustiças. Com a ajuda de importantes aliados e se envolvendo cada vez mais pela bela Lady Marion, ele vai descobrindo sobre seu passado e sua vocação para ensinar sobre tirar dos ricos para dar aos pobres.

Ridley Scott ataca novamente. Com capricho talvez ainda maior e efeitos especiais ainda mais discretos e fenomenais, ele privilegia a atuação e a história sempre. Como discutir com tamanho detalhismo na reconstrução de época e toque artístico de superprodução que vai da abertura aos fenomenais créditos finais do filme, que são um show a parte? Nos transportando para meados do milênio passado, nos mostra como era dura a vida na Europa e deixa bem claro visualmente que as coisas mudam, mas continuam as mesmas.

No elenco, o novo Robin Hood é um guerreiro no melhor estilo Russell Crowe de ser. Mais bruto e menos sutil do que nunca, ele está aqui para rachar crânios não como um ex-nobre-ladrão mas como um soldado “aposentado” que volta para o campo de batalha por uma causa nobre. Quase um Rambo. Mas isso tudo foge do clichê Rambo só por conta do elenco de apoio que se sobressai a ele. Um “Coração de Leão” realista interpretado por Danny Huston, um sucessor nojentinho interpretado por Oscar Isaac – fenomenal, por sinal – o sempre mentor Max Von Sydow, seus bons colegas que são muitos para listar, o eterno general veterano William Hurt e a melhor e maior atuação de todas, Cate Blanchett como Lady Marion, roubando a cena. Personagem difícil de interpretar, superou todas as expectativas. Gostosa do filme fica sendo a francesa Léa Seydoux no papel da princesa Isabella Angoulême da França. Uh-la-la mon cher. Mark Strong fez um vilão interessante até, mas sua repetitividade interpretando seus vilões começa a enjoar. É Lord Blackwood em outro período.

Em uma bela repaginada, o roteirista Brian Helgeland consegue criar uma história centrada tanto nos personagens e suas histórias quanto na ação. Apenas cai em alguns clichês básicos de filmes de ação, mas que também não podem faltar em uma trama do estilo “Begins”. É o surgimento de um herói e uma lenda, que nos leva a acreditar no que pode provavelmente ser feito para um próximo filme. Aproveitando nomes e fatos que criaram o personagem histórico que até hoje não se pode comprovar se foi fato ou ficção, a narrativa não é tão cansativa de se seguir para um filme de 2 horas e 20, assim como a direção de Scott, que ajuda a construir tudo isso e não ficar uma total chatice.

Abandonando o tradicionalismo, o Sherife interpretado por Matthew MacFadyen é colocado de lado e serve apenas para as tiradas cômicas em momentos do filme. Quem sabe guardado para ser o próximo Coringa? Os clichês e a narrativa aproveitada de Gladiador acaba prejudicando um pouco o filme, mas com certeza não o suficiente para que não recomendemos. Está recomendadíssimo e lembrem-se que a violência no filme pode ser bem gráfica, apesar de bem comedida e nada gratuita. Vão assistir, a melhor opção dessa semana. E muito medo de como será o segundo filme, que provavelmente deve vir.

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Homem de Ferro 2 [Crítica]

Mestre Zen — Sat, 01 May 2010 12:00:09 +0000

“É bom estar de volta”

Estava me debatendo sobre como analisar esse filme, por dois motivos. Primeiro que Homem de Ferro foi uma das primeiras críticas sérias de filme que escrevi aqui mesmo nesse blog. Se tornou meu ídolo e meu filme favorito de super-herói. Sim, mais do que Cavaleiro das Trevas, que nem considero um filme muito quadrinístico, tamanha a vontade de Chris Nolan transformá-lo em algo “realista”. Tony Stark se tornou meu Deus das adaptações Marvel/DC. Esse segundo filme é exatamente o que promete ser, uma continuação e uma continuação divertida. Segundo que ele se baseia totalmente em desenvolvimento de personagem e apesar de um pequeno problema de ritmo no meio do roteiro, decidi não tirar meio ponto de sua nota por isso. Só porque… ele é o Homem de Ferro, né? Depois de tanta publicidade, divulgação, hype e antcipação: Ele chegou!

Como é anunciado no trailer, Homem de Ferro 2 conta como, diretamente após Tony Stark assumir sua identidade secreta como Homem de Ferro, surge um novo vilão. Ivan Vanko tem uma richa familiar para resolver com o herdeiro Stark e decide recriar sua própria versão armamentícia da tecnologia Ark. Ao longo do filme, que apesar de várias menções, tem apenas nuances da saga “Demônio na Garrafa” dos quadrinhos, vão se concentrando mais na sua decadência por conta do ataque de Vanko, o governo americano e seu melhor amigo Rhodie tentando tirar a armadura de suas mãos e a sua relação conturbada com Pepper Pots. Além disso, conta com a introdução de outros personagens interessantes e intrigantes como a Viúva Negra e seu rival comercial Justin Hammer.

Jon Favreau é um gênio dos quadrinhos. Ao contrário de Zack Snyder que trás com fidelidade SUA visão de uma obra em graphic novel, Favreau quer trazer a visão dos FÃS de toda uma trajetória de décadas quadrinísticas para a telona. São duas categorias a parte e admito que Jon Favreau tem muito mais respeito pelos fãs do que qualquer outro diretor que já pensou em adaptar quadrinhos um dia já teve. Seu pensamento de que apenas 2 anos para o lançamento do filme seria muito pouco foi com certeza equivocado e agradecemos ao fato dele ter aceito e se esforçado para se superar. Com certeza os detalhes diretoriais, como uma melhor edição de áudio ou detalhes de combate e preparação dos atores, não passaram desapercebido. Favreau é realmente capaz de transformar atores em heróis e efeitos especiais em “realidade”, quão real quanto uma HQ pode ser, claro. Além de tudo isso, a grande novidade é que agora temos um roteirista, Justin Theroux. Não só isso, ele se tornou queridinho Marvel, provavelmente contribuindo em outros projetos futuros.

Robert Downey Jr. encarnou Tony Stark e é indiscutível. Ele continua de onde parou e consegue ser ainda melhor. Sua química com Gwyneth Paltrow só fez melhorar e até o diretor fanfarrão conseguiu aparecer mais e render algumas das melhores risadas do filme. Os destaques ficam obviamente para Mickey Rourke, que fez o melhor que pode com um personagem tão limitado. Apesar de Ivan Vanko ser um ótimo vilão, com ótimas motivações, realizações e sutilezas. Ele não é fã de frases de efeito. Faz seus poucos discursos contundentes e com embasamento. Não está errado, talvez seus métodos sim. Don Cheadle infelizmente não é War Machine. Ele pode ser um ótimo James Rhodes, mas ainda acredito que Terence Howard tinha mais jeitão de badass. Independente disso, as 5 estrelas vão para: 1 – A gostosura de Scarlet Johansson. Por que para mim Angelina Jolie de c* é rola depois desse filme. 2 – Sam Rockwell faz o coadjuvante mais canastrão, capitalisticamente assustador e nojento da história das adaptações de quadrinhos. Ele é humano, é falho, é ridículo, é amedrontador, é ganancioso… ou seja, real. Justin Hammer é quase um Lex Luthor, sem o gênio científico.

De resto, o que sobra a dizer? O filme tem seus momentos “Homem de Ferro chuta bundas”, tem o desenvolvimento dos personagens como a decadência de Tony Stark e suas relações, tem o gancho para os Vingadores em várias partes do filme, tem os easter eggs e principalmente muito muito muito divertimento. São risadas, momentos “minha nossa senhora” e sorrisinhos marotos distribuídos ao longo de toda a película. A Marvel acerta novamente em cheio, 2 anos depois, nos dando muita esperança sobre seu próximo filme. Eles realmente se especializaram em algo a parte no mundo dos quadrinhos. Não querem alterar os heróis, não querem mudar suas histórias e não querem passar quadro a quadro de suas páginas para a tela. Querem apenas “criar um universo”. Essa é a idéia por trás de todos seus filmes, que estão obviamente interligados.

Talvez você não tenha a sensação embasbacante do primeiro filme, que apresentou a gênese de um personagem e você passava cada minuto pensando “esse cara é FODÁXIMO”. Com certeza o que Ivan Vanko diz no trailer acontece. O filme faz um Deus sangrar. Stark sofre as consequências de seus atos e aprende a conviver consigo mesmo, seu passado e sua personalidade complicada. Não é um filme só de “uau”, mas nem de longe é um filme ruim por isso. Sua “fodacidade” está em realmente ser um Homem de Ferro mais adulto, sóbrio, contido. E apesar de começar frenético – ao contrário do primeiro – e dar uma diminuída no ritmo no segundo ato, não perde os elementos que o fizeram um sucesso. Principalmente pois ainda tem minha banda favorita ao fundo de cabo a rabo.

PS: FIQUEM ATÉ O FINAL!!!! Dica de amigo, não saiam antes do final dos créditos. Vai compensar.

PS2: Um maluco ficou tão tão animado que dançou Highway to Hell inteirinha ao longo dos créditos, com direito a coreografia cômica. Isso que é fã. Infelizmente não temos cenas do infeliz, mas posso atestar que foi hilário.

VÃO ASSISTIR. Porque perto disso, Tim Burton paraceu uma vovozinha filosófica caquética esse final de semana.

Quem sabe você se interesse em saber…

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